Review: Di Rothko Chapel, Komposer Dihantui Pahlawan

HOUSTON — Kanvas-kanvas yang mengelilingi Anda di Kapel Rothko di sini pada mulanya mungkin tampak hanya gelap. Memasuki ruang setelah malam tiba pada hari Sabtu, interiornya remang-remang, saya berjuang untuk melihat banyak hal di dalamnya. Namun, bahkan dalam kegelapan yang tenang itu, mata saya perlahan menyesuaikan diri dengan 14 lukisan saturnus yang megah, yang dibuat oleh Mark Rothko pada akhir 1960-an. Persegi panjang bayangan mulai muncul, melayang di atas bayangan. Kembali pada hari Minggu sore, abu-abu berawan menyaring melalui langit-langit, mereka tampak praktis berwarna-warni, kerudung berlapis ungu, hijau, merah, biru, coklat: hitam prismatik. "Gelap" keduanya menggambarkan mereka dan tidak. Namun, karena kata itu telah dilampirkan pada Rothkos ini, begitu juga "diam" dan "glasial" dan "cadangan" untuk musik Morton Feldman - yang "Kapel Rothko" ditugaskan sekitar waktu pembukaan ruang tahun 1971 - dan Tyshawn Sorey, yang "Cahaya Monokromatik (Akhir)," ditulis untuk menghormati ulang tahun ke-50, ditayangkan di sana akhir pekan ini. Permukaan lukisan, pada pandangan pertama sangat halus, secara bertahap menawarkan tekstur, kedalaman, warna. Dan pencelupan pada pasien ini, respons musik yang tampaknya minimal juga mengungkapkan kepadatan yang tidak terduga, lingkaran, warna, konfrontasi, harmoni yang tidak nyaman. Mengatakan dua bagian ini adalah "cadangan" dan "glasial" adalah akurat — dan tidak memadai. Sorey, yang menyebut Feldman pahlawannya, telah menanggapi kapel dan lukisannya — serta salah satu karya klasik musik akhir abad ke-20 — dengan berani, dengan sekelompok kecil instrumen yang hampir identik dengan "Kapel Rothko". Perbedaannya terkadang bahkan memperkuat hubungan: Salah satu elemen baru yang dia perkenalkan — piano, selain celesta Feldman — tampaknya, sambil menambahkan beberapa kekayaan nada, juga menjadi anggukan pada karya piano Feldman seperti “Palais de Mari.”Image Karya ini dibuka dengan Schick memainkan kilap nada yang tenang pada lonceng berbentuk tabung. Kredit... Michael Starghill Jr. untuk The New York Times; Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko/Artists Rights Society (ARS), NY. “Rothko Chapel” dan “Monochromatic Light,” keduanya luas namun intim, berbagi ketenangan ritualistik tertentu, dengan paduan suara tanpa teks melayang di atas ketukan perkusi yang lembut dan muram. Keduanya menampilkan pemain biola solo yang frasanya — terkadang terhenti, terkadang ekspresif — ada dalam sesuatu seperti duet duet. Pasangan yang lebih cepat adalah dengan keyboardist yang menginterogasi; lebih jauh, lebih dibiaskan, lebih tertunda adalah gema biola dalam vokalis solo, yang juga menyanyikan frasa misterius tanpa teks dan merupakan satu-satunya pemain lain yang diizinkan ekspansi liris. Kedua potongan terungkap sebagai gerakan tunggal tanpa pulsa atau meteran yang jelas; musik berhenti hanya sesekali untuk istirahat sejenak, dan penekanan kedua komposer pada pembusukan alami suara berarti bahwa bahkan keheningan singkat itu tampak samar-samar jenuh. Tapi "Cahaya Monokromatik," yang akan dipentaskan oleh Peter Sellars musim gugur ini di Park Avenue Armory , di samping panel oleh abstraksionis lain, Julie Mehretu, kira-kira dua kali lipat dari "Kapel Rothko" yang berdurasi 25 menit. Sementara Feldman hampir tidak dikenal karena ekonominya, karya sebelumnya hampir cepat, strukturnya padat dan jelas, dengan perbandingan. Dan rasa ritual Feldman — Anda selalu mendapatkan perasaan bahwa ansambelnya berdiri berdampingan, menghadap Anda dan mengumumkan karya itu — agak berbeda dari Sorey, yang menyiratkan lebih banyak percakapan, lingkaran. Sorey telah menggeser vokalis solo Feldman, suara wanita yang tinggi, ke suara pria yang rendah, dan apa yang merupakan kebangkitan malaikat telah menjadi sesuatu yang lebih abad pertengahan — seorang biarawan yang bernyanyi di biaranya — dan juga lebih manusiawi. Ditugaskan oleh kapel dan organisasi presenter DaCamera, "Cahaya Monokromatik" dibuka dengan getaran samar lonceng tubular, seperti bunyi lonceng yang terdengar dari jarak bermil-mil, saat para pemain memasuki ruangan, paduan suara berjalan di sepanjang lorong. Pemain biola akhirnya memainkan nada tinggi yang menusuk dengan tenang, seperti kaca, di mana celesta menambahkan elemen manisan seperti lonceng lainnya. Akord piano yang tidak berjejal berlama-lama di udara, amin berkala untuk doa-doa penuh perasaan dari biola. Paduan suara bernyanyi dalam nada-nada yang tersuspensi, bergeser namun tepat.

Baca Juga:

• Mesin Pencacah Daging
• Mesin Retort Vertikal
• Mesin Marinasi

Pada satu titik, akord yang bercahaya sempurna, menyebar melalui tenor dan bass Houston Chamber Choir, dipotong oleh kelompok sepulchral yang suram di piano dan celesta. Pertanyaan sering tidak terjawab, Sorey tampaknya mengatakannya, dan terkadang jawabannya adalah tidak. Gambar Kashkashian dan Tines membentuk pasangan yang ambigu dalam karya tersebut, yang menjelang akhir membuatnya bersenandung saat dia memainkan melodi spiritual “Kadang-kadang Saya Merasa Seperti Anak Tanpa Ibu.” Kredit... Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko/Artists Rights Society (ARS), NY; Michael Starghill Jr. untuk The New York Times Itu juga kata bermuatan yang tidak dapat dihindari oleh bass-bariton Davóne Tines ketika dia menyuarakan vokal “oh.” Tapi "tidak" tidak pernah berakhir dalam pekerjaan ini. Khususnya dengan Tines dan pemain biola yang sangat fasih Kim Kashkashian, protagonis ganda, berbagi nada yang solid namun lapang, dan menggoda, mood musiknya adalah kesabaran yang membara, dengan ketidaksabaran pada intinya yang memberi energi. Sabtu malam, di bawah lampu sorot, warna ungu dari lukisan-lukisan itu tampak ditarik paksa, dan musiknya memainkan sandiwara yang sama jelas. Pada hari Minggu sore, bermandikan cahaya alami, kanvas lebih tenang dalam bayangannya yang menjulang, dan "Cahaya Monokromatik" juga terasa lebih tenang, sentuhan yang lebih rapuh. Pemain perkusi yang sensitif Steven Schick memainkan gemerlap lonceng pembuka dengan ketenangan yang lebih dalam, dan ada lebih banyak kedipan dalam nada Kashkashian. Di luar kehadiran Feldman yang luar biasa, Sorey melihat sekilas musik lain. Motif biola kerinduan, seperti tangan yang menggapai langit dengan ragu-ragu, membangkitkan "Kuartet Akhir Zaman" Messiaen. Pada satu titik, saya mendengar dalam biola sepotong pembukaan lagu Mahler "Ich bin der Welt abhanden gekommen" ("Saya tersesat di dunia"). Dalam karya sugestif seperti itu, bacalah referensi-referensi itu, judul-judul itu, apa yang Anda mau. Ambiguitas yang belum terselesaikan berlimpah. Apakah biola mencoba untuk masuk ke dalam dialog dengan keyboardist (Sarah Rothenberg, tanpa henti unflappable), atau mencoba membebaskan diri darinya? Apakah ketukan bass drum yang terus-menerus dibangun di bawah paduan suara dalam satu bagian penting mewakili kemajuan — barisan paduan suara maju — atau kekuatan tak menyenangkan yang mengejarnya? Dan apa hubungan antara pemain biola dan vokalis? Apakah mereka aspek dari karakter yang sama? Sebuah janji dan pemenuhan? Dua komposer yang melihat lukisan yang sama tetapi tidak pernah bertemu? Seorang ibu dan seorang anak? Jalinan mereka paling jelas menjelang akhir, jika masih miring, ketika Tines bersenandung, nyaris tidak terdengar, saat Kashkashian memainkan melodi spiritual "Kadang-kadang Aku Merasa Seperti Anak Tanpa Ibu" dengan akord yang tenang di piano dan vibraphone. Pembukaan musik ke ranah pengalaman dan penderitaan sosial dan sejarah menggemakan akhir dari “Kapel Rothko, ” ketika Feldman memberikan pemain biolanya apa yang disebutnya “melodi semu-Ibrani”, yang mengacu pada warisan Yahudinya, dan milik Rothko. Bagi Sorey untuk menyisipkan doanya sendiri, warisan, sejarah, dan ingatannya sendiri, adalah sikap hormat dan berani. Jarang sekali seorang komposer menyajikan karya baru yang dihantui secara terbuka dan meresap oleh karya pendahulunya. Tapi "Cahaya Monokromatik" terasa kurang seperti perjalanan nostalgia daripada perluasan jalan Feldman jauh ke dalam rasa sakit dan komunitas zaman kita dan masa lalu yang jauh tapi bergema. “Monochromatic Light (Afterlife)” Dilakukan akhir pekan ini di Rothko Chapel, Houston. Jarang sekali seorang komposer menyajikan karya baru yang dihantui secara terbuka dan meresap oleh karya pendahulunya. Tapi "Cahaya Monokromatik" terasa kurang seperti perjalanan nostalgia daripada perluasan jalan Feldman jauh ke dalam rasa sakit dan komunitas zaman kita dan masa lalu yang jauh tapi bergema. “Monochromatic Light (Afterlife)” Dilakukan akhir pekan ini di Rothko Chapel, Houston. Jarang sekali seorang komposer menyajikan karya baru yang dihantui secara terbuka dan meresap oleh karya pendahulunya. Tapi "Cahaya Monokromatik" terasa kurang seperti perjalanan nostalgia daripada perluasan jalan Feldman jauh ke dalam rasa sakit dan komunitas zaman kita dan masa lalu yang jauh tapi bergema. “Monochromatic Light (Afterlife)” Dilakukan akhir pekan ini di Rothko Chapel, Houston..

Itu Seharusnya Menjadi Spec House. Kemudian Pembangun Terlibat Secara Emosional.

Sebagai seorang pengembang real estat, Stephen Rodriguez tahu bahwa tanah seluas dua kali lipat di lingkungan Rumah Sakit Pascasarjana Philadelphia itu istimewa saat dia melihatnya. Ketika istrinya, Morgan Rodriguez, seorang agen real estat, menunjukkan kepadanya properti, yang memiliki townhouse bobrok di satu sisi dan garasi mobil tunggal di sisi lain, Mr. Rodriguez melihat peluang investasi: Perusahaannya akan menghancurkan keseluruhan hal, menugaskan seorang arsitek progresif untuk merancang townhouse baru yang luas, dan kemudian menjualnya untuk keuntungan yang besar. Itu rencananya. Tetapi seiring berjalannya proyek, pasangan itu menjadi lebih terpikat pada lingkungan dan rumah yang sedang dibangun oleh Mr. Rodriguez. Pada saat yang sama, mereka tumbuh melampaui kondominium mereka, yang sudah terasa sesak dengan dua anak mereka — Paul, sekarang 12 tahun, dan Corinne, 10 tahun. Kemudian Ms. Rodriguez melahirkan anak ketiga mereka, Louisa, sekarang berusia 3 tahun, tepat sebelum konstruksi dimulai. Gambar Stephen dan Morgan Rodriguez bekerja dengan Moto Designshop untuk membangun townhouse modern di Philadelphia. Dapurnya dirancang oleh ibu tiri Mr. Rodriguez, Barbara Burleigh, yang bekerja untuk Giorgi Kitchens & Designs. Kredit... Halkin Mason untuk The New York Times “Dengan tiga anak, kami membutuhkan lebih banyak ruang, kami membutuhkan ruang bawah tanah,” kata Ms. Rodriguez, 37, yang juga pendiri Kiki & Mo Home, sebuah lilin-dan- perusahaan produk mandi. Sesaat sebelum proyek investasi Tuan Rodriguez selesai, pasangan itu menyadari bahwa mereka telah mengenal pembeli: diri mereka sendiri. “Mungkin dua pertiga dari jalan melalui konstruksi, kami membuat keputusan bahwa kami akan mempertahankannya,” kata Mr. Rodriguez, 44. Bukan hanya karena mereka menginginkan ruang hidup seluas 4.500 kaki persegi. Selama bertahun-tahun mereka terobsesi dengan detail desain, bangunan itu telah berubah dari proyek bisnis langsung menjadi pekerjaan yang penuh cinta. “Setelah semua yang kami masukkan ke dalamnya, akan sangat menyedihkan untuk menjualnya,” katanya. Semuanya dimulai setelah Mr. Rodriguez membeli tanah itu seharga $650.000 pada Oktober 2018. Berharap untuk membangun townhouse dengan desain modern yang menonjol yang tidak akan terasa asing di samping tetangga bata merah antiknya, dia mendekati arsitek di Moto Designshop untuk berkolaborasi dalam sebuah desain. "Saya memberi mereka apa yang mungkin bertele-tele, pidato sombong tentang bagaimana saya ingin membangun hal-hal yang akan abadi, dan itu memiliki massa yang sangat berat bagi mereka," katanya.

Baca Juga:

• Mesin Evaporator Vacuum
• Mesin Retort Horizontal
• Mesin Pengaduk Dodol

“Untuk yang ini, saya memberi tahu mereka bahwa kami ingin memiliki sesuatu di bata, karena itu adalah balok bata; kami ingin menjadi modern, mungkin dengan sedikit getaran modern abad pertengahan; dan kami ingin memiliki barang-barang dengan kurva.”Image Tangga baja melengkung dengan tapak kayu ek putih, yang membutuhkan waktu sekitar enam bulan untuk membangun, menghubungkan lantai pertama dan kedua. Kredit... Halkin Mason untuk The New York Times Moto menghadirkan townhouse yang memiliki fasad ekstra dalam yang terdiri dari empat lapisan bata yang tumpang tindih, dua dengan susunan bata yang berfungsi sebagai layar pasangan bata. Bukaan berbingkai baja melengkung mengiris bata untuk memperlihatkan pintu depan, garasi, dan jendela. “Kami bebas untuk mengusulkan hal-hal yang sedikit lebih menyenangkan dan sedikit lebih banyak hiasan, tetapi masih berakar dalam konteks fasad bata Philadelphia,” kata Roman Torres, seorang mitra di Moto. “Lapisan bata ini menciptakan pola naungan yang indah, tetapi juga mengundang Anda masuk. ” Untuk interior rumah tiga lantai, pasangan ini menjaga palet material seminimal mungkin, memilih lemari kayu ek putih, pintu, cetakan dan lantai berpola herringbone, yang diwarnai dengan cat putih dan arang. Di lantai pertama, dapur terbuka dengan pulau besar berlapis batu sabun berfungsi sebagai pusat rumah, antara ruang makan dan ruang tamu. Hamparan jendela di bagian belakang rumah - termasuk jendela tenda yang menggantikan backsplash konvensional di atas kompor tanam dan pintu geser yang membuka ruang tamu ke teras halaman belakang - membantu menarik cahaya alami ke dalam ruangan yang mungkin gelap. Tangga baja melengkung dengan tapak kayu ek putih terbuka berliku ke lantai dua di atas penanam built-in yang tumbuh dengan warna hijau. "Tangga itu adalah proyeknya sendiri," kata Mr. Rodriguez, mencatat bahwa karena kerumitan desainnya, dibutuhkan sekitar enam bulan untuk menyelesaikannya, antara logam yang dibuat oleh Holzman Iron Studio dan tapak kayu khusus. Itu adalah satu-satunya elemen di rumah yang benar-benar diuntungkan dari pandemi, yang melanda setelah konstruksi dimulai pada Juni 2019, kata Mr. Rodriguez, seperti sebelumnya di daftar tunggu pekerja logam.Image Kamar tidur utama memiliki kursi santai Eames dan ottoman (mulai $6.495) dan kursi Barcelona (mulai $6.738). Lukisan di atas tempat tidur adalah karya Michael Leaver. Kredit... Halkin Mason untuk The New York Times "Mereka melakukan banyak tangga besar untuk hotel, restoran, dan gedung perkantoran, dan kemudian pandemi melanda dan bisnis mereka berubah dari simpanan satu tahun menjadi nol dalam semalam," Mr. kata Rodriguez. “Saya meyakinkan pemiliknya untuk masuk sendiri dan mulai memotong tangga kami, yang sebelumnya berada di daftar prioritas.” Suite utama dan satu kamar tidur lainnya berada di lantai dua. Dua kamar tidur lagi dan ruang keluarga dengan teras yang memiliki pemandangan gedung pencakar langit Center City berada di lantai paling atas. Keluarga itu pindah pada April lalu, setelah menghabiskan sekitar $1,1 juta untuk pembangunannya, meskipun mereka masih menambahkan sentuhan akhir, Mr. Rodriguez berkata: “Masih banyak yang harus dilakukan di bagian dalam rumah ini. Kami punya perapian untuk dipasang, penggilingan, dan sejuta hal lainnya.” Namun demikian, mereka senang dengan keputusan mereka untuk mempertahankan rumah khusus ini dalam keluarga. Tuan Rodriguez telah membangun banyak rumah, katanya, tetapi “kami memutuskan untuk menyimpan yang terbaik untuk diri kami sendiri.” Untuk pembaruan email mingguan tentang berita real estat perumahan, Daftar disini. Ikuti kami di Twitter: @nytrealestate..

Terminal New Delta La Guardia Akan Ditetapkan oleh Seniman New York

Terminal C Delta Air Lines yang dibangun kembali, diharapkan akan dibuka pada musim semi ini sebagai salah satu fitur besar terakhir dari transformasi Bandara La Guardia senilai $8 miliar, akan ditentukan oleh enam karya seni permanen skala besar baru yang spesifik lokasi. “Kami ingin seni publik menjadi bagian penting dari daya tarik, inspirasi, dan rasa tempat di fasilitas sipil baru yang besar,” kata Rick Cotton, direktur eksekutif Otoritas Pelabuhan New York dan New Jersey, yang memiliki bandara tersebut. Otoritas Pelabuhan, bersama dengan Gubernur Kathy Hochul dan Delta Air Lines, telah bermitra dengan Museum Queens untuk menugaskan Mariam Ghani, Rashid Johnson, Aliza Nisenbaum, Virginia Overton, Ronny Quevedo, dan Fred Wilson — semua seniman yang berbasis di New York — untuk membuat instalasi di seluruh ruang kedatangan dan keberangkatan dan concourse terkait. Anggaran keseluruhan untuk program seni Terminal C adalah $12 juta. "Delta benar-benar ingin kita memikirkan Queens, daerah paling beragam di AS, dan menemukan cara untuk mencerminkan hal itu," kata Sally Tallant, presiden Museum Queens, tetangga dekat bandara. Tim Tallant memandu pemilihan enam seniman, yang dipilih dari kumpulan awal beberapa lusin. Dua patung monumental akan digantung di atrium terminal dan terlihat dari pinggir jalan, termasuk pemasangan bola lampu bintang oleh Wilson, penghargaan MacArthur kelahiran Bronx pemenang, dan konstelasi skylight arsitektur oleh Overton, transplantasi New York dari Tennessee. Ghani, seorang Afghanistan-Amerika kelahiran Brooklyn, merujuk lebih dari 80 bahasa yang digunakan di wilayah tiga negara bagian dalam instalasi dinding ubinnya, dan Nisenbaum, seorang Meksiko-Amerika, sedang melukis berbagai karyawan Delta dalam potret kelompok, untuk diterjemahkan ke dalam mosaik.

Baca Juga:

• Mesin Ribbon Mixer
• Mesin Retort Vertikal
• Mesin Blender Bumbu

Johnson, yang berasal dari Chicago, juga bekerja di mosaik, membuat kisi-kisi wajah terbesar dalam seri "Pria Anxious" hingga saat ini. Quevedo, lahir di Ekuador, sedang mengkonfigurasi ulang dan mengubah lantai gimnasium dan garis permainannya yang semarak ke dinding. “Saat kami terus mengubah Bandara LaGuardia menjadi tujuan kelas dunia, kami berkomitmen untuk menjadikan terminal baru ini sebagai perayaan Queens,” kata Gubernur Hochul. Seni di Terminal C bergabung dengan galeri pekerjaan umum yang berkembang di La Guardia, termasuk mural 1942 "Penerbangan" oleh seniman Works Progress Administration James Brooks di Marine Air Terminal, dan, diresmikan di Terminal B baru pada tahun 2020, empat instalasi oleh Jeppe Hein, Sabine Hornig, Laura Owens dan Sarah Sze. Akhir tahun ini, Patung Richard Lippold "Orpheus and Apollo," yang digantung selama lebih dari 50 tahun di Lincoln Center, akan dipindahkan ke Aula Pusat La Guardia, yang saat ini sedang dibangun. “Akan sangat menarik di LaGuardia untuk memiliki semacam tujuan seni,” kata Tallant. “Ini berbicara tentang gagasan membangun ruang publik kontemporer yang merayakan budaya dan seniman yang menjadikan kota seperti sekarang ini.”.

Kunsthalle Praha Bertujuan untuk Memberikan Percikan Seni di Praha

PRAGUE — Kunsthalle Praha, yang dibuka di bekas Gardu Induk Zenger di Jakarta, Selasa, bukanlah ruang pameran pertama di bekas pembangkit listrik. Namun sejak awal, pembangunan kembali yang didanai swasta di seberang Kastil Praha ini menempatkan seni bertenaga listrik dalam sorotan dengan pameran pembukaannya “Kinetismus: 100 Tahun Listrik dalam Seni,” yang berlangsung hingga 20 Juni. Menampilkan hampir 100 karya seni, pameran ini menunjukkan bagaimana listrik mengubah seni selama abad terakhir, memungkinkan pencahayaan dan gerakan buatan. Dengan kedatangan listrik rumah tangga pada tahun 1920-an, para seniman memiliki pilihan baru yang tersedia bagi mereka: Mereka tidak lagi terbatas pada gambar statis dan bergantung pada sumber cahaya eksternal. Biaya sekitar $40 juta untuk mengubah bekas Gardu Listrik Zenger menjadi ruang pameran . Kredit... Milan Bures untuk The New York Times Berapa banyak listrik yang merevolusi seni tidak selalu dihargai dengan baik, kata Peter Weibel, kurator pameran. Tidak seperti di bidang musik, di mana instrumen listrik dan amplifier digunakan, dia berkata, “Di dunia seni, seni tanpa kabel — seperti lukisan dan patung — sangat dihargai, dan seni yang menggunakan listrik dibantah.” kurangnya pemahaman,” kata Weibel. “Hegemoni lukisan dan patung ini,” tambahnya, adalah “ketidakadilan terhadap seni.” Pameran pembukaan Kunsthalle Praha menunjukkan bagaimana kemajuan teknologi yang pesat pada abad yang lalu mengilhami generasi seniman yang berurutan, dari masa awal sinematografi hingga seni komputer. Karya Marcel Duchamp, Man Ray dan Laszlo Moholy-Nagy dipajang bersama dengan karya-karya kontemporer dari timLab kolektif seni yang berbasis di Tokyo dan seniman Denmark-Islandia Olafur Eliasson, yang instalasi "Lightwave"-nya menyambut pengunjung saat mereka tiba. Weibel, yang memimpin Pusat Seni dan Media ZKM di Karlsruhe, Jerman, mengatakan bahwa titik awal pameran adalah karya Zdenek Pesanek, seorang seniman Ceko yang meninggal di Praha pada tahun 1965. Pesanek adalah pelopor dari apa yang dikenal sebagai seni kinetik — seni yang bergantung pada gerak untuk efeknya. (Bukunya tahun 1941 “Kinetismus” memberi nama pameran itu.) Pesanek memiliki hubungan langsung dengan bangunan Gardu Induk Zenger: Pada tahun 1930-an ia merancang siklus pahatan alegoris untuk fasad bangunan, terbuat dari bahan industri dengan neon built-in. tabung, dan melambangkan konsep yang berkaitan dengan listrik, seperti prinsip motor listrik. Namun patung-patung itu tidak pernah berhasil sampai ke fasad. Mereka dipresentasikan pada Pameran Internasional Seni dan Teknologi dalam Kehidupan Modern di Paris, pada tahun 1937, tetapi kemudian menghilang dalam keadaan yang tidak jelas. (Pameran dibuka dengan model-model persiapan pahatan.) Karya Pesanek lainnya, “The Spa Fountain,” menampilkan dua batang tubuh tembus pandang yang terbuat dari resin sintetis, diterangi dari dalam oleh bola lampu berwarna dan tabung neon melengkung, berada di jantung bangunan. pameran. Itu dibuat pada tahun 1936 untuk merayakan budaya spa termal di tempat yang saat itu adalah Cekoslowakia..Image Pengunjung Kunsthalle berpose di instalasi "Infinity Room" karya Refik Anadol (2015). Kredit...

Baca Juga:

• Mesin Spinner
• Mesin Parut Kelapa
• Mesin Suwir Daging

Milan Bures untuk The New York Times Gambar "Umbra Triplicata" (2015) oleh seniman Laszlo Zsolt Bordos yang berbasis di Budapest. Kredit... Milan Bures untuk The New York Times Image Pemandangan Kastil Praha dari kafe Kunsthalle. Kredit... Milan Bures untuk The New York Times "Listrik adalah simbol modernitas," kata Matthew Ramley, profesor sejarah seni di Universitas Masaryk di Brno, Republik Ceko. Inilah mengapa Pesanek dan orang-orang sezamannya menganggapnya begitu memikat, tambahnya. Pameran ini merupakan bagian dari rencana pendiri Kunsthalle Praha untuk meramaikan lanskap seni lokal. Institusi ini didirikan oleh Petr Pudil, seorang pengusaha Ceko yang karirnya telah merambah industri dari batu bara hingga real estate, dan istrinya, Pavlina Pudil. Yayasan Keluarga Pudil, yang didirikan oleh Pudil untuk mempromosikan seni modern dan kontemporer Ceko dan internasional, membeli bangunan tersebut pada tahun 2015. Biaya pembelian dan renovasi tersebut 35 juta euro, sekitar $40 juta, kata pasangan itu dalam sebuah wawancara bersama. “Misi kami adalah mendirikan sebuah institusi yang berfokus pada seni kontemporer dan sebagian modern dalam konteks internasional,” kata Petr. Selain membawa seni berkualitas tinggi ke Praha dari luar negeri, Kunsthalle Praha juga akan memberikan platform bagi seniman baru dari Eropa Tengah, tambahnya. “Kami memiliki banyak kebebasan, karena kami adalah lembaga nonpemerintah dan nirlaba,” kata Pavlina, menambahkan bahwa Kunsthalle Praha akan didanai oleh yayasan dan melalui iuran keanggotaan.Image Kunsthalle Praha didanai oleh Pudil Family Foundation, set oleh Pavlina Pudil, kiri, dan Petr Pudil untuk mempromosikan seni modern dan kontemporer Ceko dan internasional. Kredit... Milan Bures untuk The New York Times Ada kekurangan ruang seni yang didanai swasta di Eropa Tengah, kata Petr, karena “budaya memberi kembali masih cukup baru di negara-negara pasca-Komunis.” Dia menambahkan: "Kenyataannya adalah bahwa lembaga publik tidak memiliki modal akuisisi yang cukup untuk memperoleh karya seni penting - tidak hanya di Republik Ceko, tetapi saya akan mengatakan di seluruh wilayah." “Seni pascaperang dan kontemporer terbaik ada di tangan pribadi, dan sangat sulit bagi publik untuk melihatnya,” kata Petr. “Kami ingin mengisi celah ini.” Kepemilikan pribadi juga berarti kemandirian finansial di wilayah di mana pemerintah nasionalis telah menekan institusi budaya dalam beberapa tahun terakhir. “Sementara lembaga publik harus independen, mereka didanai oleh pemerintah, dan itu sering memiliki konsekuensi, pada berbagai tingkat di berbagai negara,” kata Ivana Goossen, direktur Kunsthalle Praha. “Kami telah melihat contoh di Hungaria atau Polandia, di mana adegan seni sangat terpengaruh.” Petr mengatakan bahwa dia dan istrinya berharap investasi mereka memiliki dampak yang lebih luas pada lanskap seni Praha. “Sulit untuk memprediksi bagaimana, tetapi kami pasti berharap galeri baru akan dibuka dan itu akan tercermin dalam model institusi lain,” katanya. “Sebagai seorang pengusaha,” tambahnya, “Saya sangat percaya bahwa, jika Anda melakukan investasi inti, Anda pasti menciptakan ekosistem.”.

Met Membeli Perunggu Renaisans Italia Setelah Dua Dekade Berburu

Hampir 20 tahun yang lalu, seorang kurator di Metropolitan Museum of Art memimpin upaya untuk memperoleh putaran Renaissance Italia yang berasal dari sekitar tahun 1500. Upaya itu gagal ketika museum itu kalah dalam lelang pada tahun 2003. Kurator, James David Draper, kecewa. Dia telah menggambarkan karya itu, relief perunggu yang dikaitkan dengan Gian Marco Cavalli, sebagai "perunggu Renaisans paling mendebarkan yang muncul di pasar selama berabad-abad." Ketika Draper, yang telah menjadi kurator emeritus patung Eropa di Met, meninggal pada 2019, ia meninggalkan apa yang Andrea Bayer, wakil direktur museum untuk koleksi dan administrasi, sebut sebagai "warisan yang signifikan" yang diperuntukkan bagi akuisisi di bekas departemen Eropanya. seni patung dan seni dekoratif. Dan sekarang Met telah mencapai apa yang tidak dapat dicapainya pada tahun 2003, menggunakan uang dari Draper dan lainnya untuk membeli bundaran seharga $23 juta dari sebuah galeri di Inggris. Pejabat museum melihat pembelian itu tidak hanya sebagai pemenuhan impian seorang mantan rekan kerja yang terhormat, tetapi juga sebagai penambahan karya penting ke dalam koleksinya dan menandakan bahwa itu pernah terjadi lagi menjadi peserta yang lebih aktif di pasar akuisisi. Dalam sebuah pernyataan, direktur Met, Max Hollein, menyebut roundel itu "sebuah mahakarya mutlak, berdiri terpisah karena signifikansi historisnya, keahlian artistik, dan komposisi uniknya," menambahkan: "Ini adalah akuisisi yang benar-benar transformasional untuk koleksi patung Renaisans Italia Met. .” Seperti kebanyakan institusi budaya, Met menderita secara finansial selama pandemi. Menghadapi potensi kekurangan $150 juta, itu melembagakan cuti dan PHK dan mulai diskusi tentang menjual beberapa karya seni untuk membantu membayar perawatan koleksi. Laju akuisisi melambat. Tapi Cavalli adalah pembelian terbesar Met sejak Hollein ditunjuk sebagai direktur pada 2018 dan terbesar kedua untuk museum, setelah apa yang dilaporkan sebagai pembelian $45 juta pada 2004 dari sebuah lukisan 8-kali-11-inci yang disebut “Madonna dan Anak” oleh Duccio di Buoninsegna. Bulat karya Cavalli, seorang pandai emas, pematung, pengukir cetak, dan peraih medali Italia yang bekerja untuk istana Gonzaga di Mantua, dihiasi dengan penyepuhan dan tatahan perak dan menunjukkan angka-angka dari mitologi Romawi. Ini menggambarkan Venus bersayap emas, dewi cinta, menatap di Mars, dewa perang, sementara suaminya Vulcan menggunakan alat untuk membuat helm. Sebuah prasasti Latin, menurut terjemahan oleh museum, menyatakan: “Venus Mars dan Cinta bersukacita.

Baca Juga:

• Mesin Pengaduk Bumbu Hexagonal
• Mesin Pengupas Batok Kelapa
• Mesin Perajang Tembakau

Vulcan, kamu pekerja!” Karya tersebut, yang berdiameter 17 inci, digambarkan oleh pejabat museum sebagai yang terbesar dan salah satu contoh yang paling canggih dari perunggu dari awal Renaisans. Para ahli percaya itu mungkin dibuat untuk Isabella d'Este, Marchioness of Mantua, yang dianggap oleh banyak orang sebagai pelindung wanita paling penting dari Renaisans Italia. Cavalli, yang lahir sekitar tahun 1454, berkolaborasi selama lebih dari 30 tahun dengan Andrea Mantegna, pelukis utama istana Gonzaga, dan dengan Antico, pematung utama keluarga Gonzaga, kata pejabat museum, seraya menambahkan bahwa atribusi karya ke Cavalli “tetap menantang” sampai ditemukannya roundel di rumah pedesaan Inggris pada tahun 2003. yang berukuran 17 inci diameter, digambarkan oleh pejabat museum sebagai yang terbesar dan salah satu contoh yang paling canggih dari perunggu roundel dari awal Renaissance. Para ahli percaya itu mungkin dibuat untuk Isabella d'Este, Marchioness of Mantua, yang dianggap oleh banyak orang sebagai pelindung wanita paling penting dari Renaisans Italia. Cavalli, yang lahir sekitar tahun 1454, berkolaborasi selama lebih dari 30 tahun dengan Andrea Mantegna, pelukis utama istana Gonzaga, dan dengan Antico, pematung utama keluarga Gonzaga, kata pejabat museum, seraya menambahkan bahwa atribusi karya ke Cavalli “tetap menantang” sampai ditemukannya roundel di rumah pedesaan Inggris pada tahun 2003. yang berukuran 17 inci diameter, digambarkan oleh pejabat museum sebagai yang terbesar dan salah satu contoh yang paling canggih dari perunggu roundel dari awal Renaissance. Para ahli percaya itu mungkin dibuat untuk Isabella d'Este, Marchioness of Mantua, yang dianggap oleh banyak orang sebagai pelindung wanita paling penting dari Renaisans Italia. Cavalli, yang lahir sekitar tahun 1454, berkolaborasi selama lebih dari 30 tahun dengan Andrea Mantegna, pelukis utama istana Gonzaga, dan dengan Antico, pematung utama keluarga Gonzaga, kata pejabat museum, seraya menambahkan bahwa atribusi karya ke Cavalli “tetap menantang” sampai ditemukannya roundel di rumah pedesaan Inggris pada tahun 2003. dideskripsikan oleh pejabat museum sebagai yang terbesar dan salah satu contoh bundar perunggu paling canggih yang diketahui secara teknis dari awal Renaisans. Para ahli percaya itu mungkin dibuat untuk Isabella d'Este, Marchioness of Mantua, yang dianggap oleh banyak orang sebagai pelindung wanita paling penting dari Renaisans Italia. Cavalli, yang lahir sekitar tahun 1454, berkolaborasi selama lebih dari 30 tahun dengan Andrea Mantegna, pelukis utama istana Gonzaga, dan dengan Antico, pematung utama keluarga Gonzaga, kata pejabat museum, seraya menambahkan bahwa atribusi karya ke Cavalli “tetap menantang” sampai ditemukannya roundel di rumah pedesaan Inggris pada tahun 2003. dideskripsikan oleh pejabat museum sebagai yang terbesar dan salah satu contoh bundar perunggu paling canggih yang diketahui secara teknis dari awal Renaisans. Para ahli percaya itu mungkin dibuat untuk Isabella d'Este, Marchioness of Mantua, yang dianggap oleh banyak orang sebagai pelindung wanita paling penting dari Renaisans Italia. Cavalli, yang lahir sekitar tahun 1454, berkolaborasi selama lebih dari 30 tahun dengan Andrea Mantegna, pelukis utama istana Gonzaga, dan dengan Antico, pematung utama keluarga Gonzaga, kata pejabat museum, seraya menambahkan bahwa atribusi karya ke Cavalli “tetap menantang” sampai ditemukannya roundel di rumah pedesaan Inggris pada tahun 2003..

Rumah Modernis Tanpa Biaya, tetapi Belum Ada Peminat. Butuh Pindah.

Sebuah rumah modern abad pertengahan di Illinois yang telah ditawarkan tanpa biaya sejak November — kepada siapa saja yang dapat mengatur untuk memindahkannya — masih membutuhkan pemilik. Rumah itu dibangun pada tahun 1967 oleh arsitek Modernis lokal, John Schmidtke, untuk dirinya sendiri. Itu ditetapkan sebagai tengara bersejarah pada tahun 1996 tetapi kehilangan statusnya tahun lalu ketika properti itu dianeksasi oleh kota Elgin, Illinois, di mana ia berada. Sekarang ada batas waktu 1 April bagi seseorang untuk mengusulkan rencana yang layak untuk memindahkannya. Itu di situs yang dijadwalkan untuk pengembangan industri oleh perusahaan bernama High Street Logistics. Chicago Tribune melaporkan pada bulan November bahwa High Street Logistics bersedia membantu memindahkan rumah — tawaran langka dari pengembang yang tidak diwajibkan secara hukum untuk melakukannya. Perusahaan telah berusaha untuk menyebarkan berita melalui akun Instagram Rumah Tua Murah. Sebuah posting baru-baru ini mengumpulkan lebih dari 2, 400 komentar dan 41.000 berbagi, menghasilkan kesadaran internasional dan membanjirnya minat ke email yang ditunjuk yang tercantum dalam posting. "Sejak posting Instagram, perusahaan kami telah berhubungan dengan beberapa opsi yang sangat realistis untuk pemilik baru," Jay Puckhaber, direktur pelaksana pengembangan dan konstruksi di High Street Logistics, mengatakan dalam sebuah wawancara. “Kami optimis, tapi itu masih belum selesai.” “Kami bekerja dengan orang-orang lokal, termasuk kota, untuk menemukan solusi,” katanya. “Perusahaan kami akan bekerja sama dan membantu semampu kami.” Pemilik rumah baru-baru ini adalah Andrea Macias dan Jacob Dohm, yang membeli rumah seluas 2.200 kaki persegi, tiga kamar tidur, dua kamar mandi dari keluarga Schmidtke pada Agustus 2018 dan mengubahnya menjadi tempat pernikahan.

Baca Juga:

• Mesin Mixer Susu
• Mesin Vacuum Frying
• Mesin Retort Horizontal

(High Street Logistics menyelesaikan pembelian dari Macias dan Dohm pada bulan Desember. ) Memindahkan rumah akan sulit tetapi bukan tidak mungkin. Berat batu bata dapat menimbulkan tantangan, seperti halnya saluran listrik dan hambatan lain di sepanjang rute potensial. Namun, karena rumah memiliki ruang bawah tanah, itu akan memungkinkan penggerak untuk menempatkan penyangga yang dibutuhkan di bawah setidaknya sebagian dari lantai. Rumah bahkan mungkin perlu dibagi menjadi dua bagian. Sebuah kelompok advokasi pelestarian sejarah, Landmark Illinois, mendukung upaya tersebut. Lisa DiChiera, direktur advokasi di organisasi tersebut, mengatakan bahwa kelompok tersebut “selalu siap mendukung pengembang yang mencoba melakukan hal yang benar untuk menyelamatkan sumber daya budaya yang signifikan.” “Kami berharap kota Elgin juga akan membantu upaya ini seiring waktu. dan sumber daya serta membantu menemukan situs,” katanya, “atau membebaskan biaya atau mempercepat perizinan jika diperlukan. Komisi Warisan Elgin dan Museum Sejarah Elgin baru-baru ini menulis surat dukungan untuk pelestariannya. Ada kisah sukses dalam pindah rumah. The Lieb House, contoh mani arsitektur pop selesai pada tahun 1969 oleh Venturi & Rauch (sekarang VSBA Architects & Planners), terkenal dipindahkan dengan tongkang pada tahun 2009 dari Jersey Shore ke Glen Cove, NY Winton Guest House Frank Gehry dipindahkan tidak sekali , tapi dua kali..

Sidang tentang Sengketa Perkebunan Henry Darger Ditunda

Sidang untuk membantu menentukan siapa yang memiliki hak atas harta warisan dari petugas kebersihan yang berubah menjadi artis Henry Darger ditunda pada hari Rabu karena alasan prosedural di pengadilan pengesahan hakim di Illinois. Kerabat jauh Darger, seorang seniman luar yang meninggal pada tahun 1973, telah mengajukan petisi untuk meminta kendali atas perkebunan itu setelah diberitahu tentang hak-hak potensial mereka oleh seorang kolektor fotografi vintage. Mantan pemilik artis di Chicago, Kiyoko Lerner, yang telah mengelola perawatan dan penjualan karya Darger selama beberapa dekade baik oleh dirinya sendiri dan dengan suaminya, Nathan, sebelum kematiannya, telah mengajukan mosi untuk menyerang petisi anggota keluarga, mempertanyakan mereka kredibilitas dan berargumen bahwa mereka tidak mematuhi hukum negara dan tidak menetapkan bahwa kerabat tersebut adalah ahli waris yang sah. “Satu-satunya dasar untuk menyatakan bahwa Pemohon adalah ahli waris didasarkan pada laporan oleh pihak ketiga,” bantah Lerner di surat pengadilan, “yang Lerner berhak untuk mendengar tentang manfaat untuk memastikan apakah laporan ini kredibel dan dapat diandalkan oleh Pengadilan ini.” Lerner juga mengatakan bahwa dia tidak diberitahu tentang klaim keluarga, yang dipimpin oleh Christen Sadowski, seorang kerabat Darger, tetapi mengetahuinya setelah permintaan dari The New York Times. Hakim pengesahan hakim Kent A. Delgado pada hari Rabu mengatakan ada "banyak lubang" dalam dokumen pengadilan keluarga dan bahwa dia perlu meninjau kembali kedudukan Sadowski sebagai ahli waris. Dia menjadwal ulang sidang untuk 24 Mei. "Pada saat ini," katanya kepada pengacara keluarga, "Saya tidak percaya klien Anda telah berdiri untuk menemukan bahwa dia adalah ahli waris." Ketika Darger meninggal, dia meninggalkan satu kamar yang penuh dengan ilustrasi berwarna-warni, sebuah buku setebal 15.000 halaman dan tidak ada kerabat langsung yang masih hidup. Dalam dokumen pengadilan, Lerner menegaskan bahwa Darger adalah seorang penyendiri yang "tidak terawat" yang "memberikan semua miliknya kepada mendiang suami saya, Nathan Lerner, sebelum dia meninggal." Keluarga Lerner kemudian meminjamkan dan menjual karya Darger ke museum, galeri, dan kolektor, yang menjadikan Darger sebagai seniman luar terkemuka, atau tidak terlatih. Karyanya telah terjual secara pribadi sebanyak $800.000 dan tertinggi $745.076 di pelelangan.

Baca Juga:

• Mesin Grinder Kopi
• Mesin Pengaduk Model Tabung
• Mesin Perajang Empon Empon

Yang paling signifikan adalah novel bergambar Darger setebal 15.000 halaman dengan judul panjang, yang telah dibongkar dan bagian-bagiannya dijual terpisah. Novel — “Kisah Gadis Vivian, dalam Apa yang Dikenal sebagai Alam yang Tidak Nyata, dari Badai Perang Glendeco-Angelinian, Disebabkan oleh Pemberontakan Budak Anak” — menggambarkan perang epik antara anak-anak Abbieannia yang tidak bersalah dan orang dewasa yang kejam di Glandelinia. Kerabat Darger - kebanyakan dari mereka sepupu pertama dua kali atau tiga kali dihapus - baru-baru ini dilacak oleh Ron Slattery, yang juga membantu menemukan karya Vivian Maier, seorang pengasuh dan fotografer jalanan yang tanah miliknya juga dipersengketakan oleh anggota keluarga dan belum diselesaikan. Dengan bantuan HeirSearch, sebuah perusahaan penelitian silsilah forensik, anggota keluarga mengidentifikasi keturunan Darger yang disebutkan dalam surat pengesahan hakim. Christen Sadowski, seorang kerabat Darger yang merupakan orang penting bagi keluarga, mengatakan bahwa klaim mereka adalah "tentang memperbaiki kesalahan." Perselisihan tersebut menyoroti wilayah pelik tentang bagaimana menangani warisan dan hak cipta setelah kematian seniman yang sebagian besar tidak dikenal. Mengenai materi Darger, sebuah artikel tahun 2019 di jurnal hukum Universitas Northwestern mempertanyakan apakah, di bawah hukum Illinois dan federal, pemilik tanah benar dalam mengambil hak. James Brett, pendiri Museum of Everything yang bepergian, mungkin peserta pameran paling luas dan konsisten dari karya Darger, mengatakan dalam email bahwa dia senang melihat perkebunan Darger sedang ditinjau. "Saya tahu karya seniman itu dengan baik," tulis Brett , “dan telah lama merasa bahwa baik hak cipta yang dipegang oleh keluarga pemilik tanah, maupun pendekatan umum mereka, tidak sesuai.” Tetapi yang lain berpendapat bahwa, jika bukan karena Lerner, karya Darger tidak akan pernah diakui. Michael Bonesteel, editor “Henry Darger: Art and Selected Writings,” diterbitkan oleh Rizzoli pada tahun 2000, mengatakan bahwa “Kiyoko dan Nathan telah melakukan pekerjaan yang hebat, ” dan bahwa “mereka pantas mendapatkan uang karena mereka berusaha melestarikannya untuk anak cucu.” Robert Chiarito berkontribusi pelaporan dari Chicago..

Yang Dapat Dilihat di Galeri NYC Saat Ini

Ingin melihat seni baru akhir pekan ini? Mulailah di Chinatown dengan barang-barang yang ditemukan Rafael Sánchez dan Kathleen White dari krisis AIDS hingga 11 September. Kemudian pergilah ke Chelsea untuk melihat pameran empat seniman Kitchen, yang menempati lorong, kantor, dan ruang pamerannya. Dan jangan lewatkan manipulasi foto arsip Stephanie Syjuco yang menghantui. Pecinan yang Baru Diulas 'Rafael Sánchez, Kathleen White: Earth Work' Hingga 12 Maret. Martos Gallery, 41 Elizabeth Street, Manhattan. 212-560-0670; martosgallery.com.Image Dari kiri, “Corner Piece” (2022) karya Rafael Sánchez, platform, balon, sepatu, pita, dan perangkat keras; dan di dinding, karya di berbagai media (1985-2017) oleh Sánchez dan Kathleen White. Kredit... Rafael Sánchez, Estate of Kathleen White dan Galeri Martos, NY; Charles Benton Rafael Sánchez dan Kathleen White keduanya dibentuk oleh adegan bawah tanah New York City tahun 1980-an dan 90-an. Sánchez, kelahiran Kuba, melakukan pertunjukan lintas gender di klub-klub drag pusat kota; dan White, lahir di Fall River, Mass., adalah bagian dari dunia seni Lower East Side ketika mereka bertemu pada tahun 2004. Mereka kemudian hidup bersama sampai kematian White akibat kanker pada tahun 2014. Seiring dengan wilayah budaya, mereka berbagi sejarah hidup: AIDS krisis, gentrifikasi perkotaan, 11 September. Seperti terlihat dalam pertunjukan dua orang yang bergerak dan bertekstur rumit ini, keduanya memanfaatkan pengalaman pribadi tahun-tahun itu dalam seni mereka. Pada satu titik Sánchez membuat kumpulan dari bola lampu untuk mengenang teman-teman yang telah meninggal karena AIDS. (Satu foto di sini tampaknya merujuk pada karya itu. ) Putih membuat patung dari rambut palsu para waria yang telah meninggal yang harta bendanya telah dibuang ke jalan. Terlepas dari deru kematian, seni mereka berdenyut dengan sukacita, sebagian melalui penggunaan bahan-bahan yang ditemukan dengan cerdas: debu, riasan, blok cinder, halaman buku telepon. Instalasi berbaur bekerja dengan cara yang menunjukkan bagaimana mereka berbeda sebagai seniman (secara sederhana: Sánchez terlihat lebih berorientasi konseptual, Putih lebih ekspresif.) Tapi kami juga merasakan bagaimana mereka mirip. Dua lukisan kecil yang digantung berdampingan — “Onement in a Field” karya Sánchez (2002) dan “Moon” karya White (2005-2006) — dapat menjadi penggambaran pemandangan langit malam yang sama yang dilihat oleh dua orang dengan visi yang sama dan temperamen yang berbeda, duduk berdampingan. HOLLAND COTTER Chelsea'In Support' Sampai 12 Maret. Dapur, 512 West 19th Street, Manhattan. 212-255-5793; thekitchen.org.Image Pertunjukan grup "In Support" menawarkan pemandangan langka di belakang panggung di Dapur, dengan karya seni digantung di kantor yang biasanya terlarang. Di sini, foto tahun 1987 Robert Mapplethorpe “Laurie Anderson” dipasang di atas lemari arsip sebagai bagian dari karya Fia Backstrom yang mencakup “The Last of Us — That Safe Spot in the Dot Above the I in the Word Life” (2021-2022). Di sebelah kiri, di layar komputer, “Smoke for Ice and Fire (Kitchen Office)” (2020) karya Roe Ethridge, JPEG. Kredit... Kyle Knodell Sejak 1986, ruang seni dan pertunjukan nirlaba Kitchen telah menempati bekas studio film di West 19th Street. Bangunan ini akan direnovasi musim semi ini, tetapi untuk mengucapkan selamat tinggal pada interiornya, kapsul waktu yang sangat dicintai dari hari-hari ad-hoc sebelum seni sepenuhnya dikorporatasikan, kurator Alison Burstein dan manajer produksi Zack Tinkelman mengundang empat seniman, dalam kata-kata Burstein, "melakukan pembangunan" dengan memasang karya baru dan memasang pertunjukan di seluruh lorong, kantor, dan ruang pamerannya. Fia Backstrom, yang memasang pengeras suara, mengirim pesan di film plastik dan tambalan cat berwarna cerah di langit-langit dan di tangga, akan tampil pada 10, 11, dan 12 Maret. Papo Colo membuat video dua saluran yang indah dan tiga lukisan besar yang tidak diregangkan di atap yang biasanya terlarang, dibayangi oleh cat baru yang norak bangunan apartemen. Seri "Penangan Seni Tak Terlihat" Clynton Lowry menggunakan kode QR yang dipasang secara diam-diam untuk memanggil video tugas pemeliharaan rutin gedung. Dan Francisca Benítez, dengan serangkaian foto dan video hijau subur yang indah, mendokumentasikan sistem irigasi rakyat di Chili tengah. Pemasangan yang tidak biasa dari semua karya ini membuat Anda melihat seni di mana pun Anda melihat. (Apakah kedua klem itu pada patung jendela yang pecah? Bagaimana dengan alat pemadam api berlabel "pemadam api"?) Ini juga membantu Anda melihat seluruh ekosistem sosial di mana seni terjadi — seniman, kurator, publik yang berkunjung, dan struktur fisik di mana mereka semua bertemu — sebagai jenis karya seni yang langka dan indah itu sendiri. AKAN HEINRICH ChelseaStephanie Syjuco Melalui 12 Maret. Ryan Lee Gallery, 515 West 26th Street, Manhattan. 212-397-0742; ryanleegallery.com.Image Pemandangan "Stephanie Syjuco: Gambar Laten," yang muncul dari tugas penelitian artis di Museum Nasional Sejarah Amerika Smithsonian. Kredit... Atas perkenan Ryan Lee Gallery, New York Gambar Syjuco "Better America ..." Tangan bersarung memegang slide, diberi label untuk menunjukkan bahwa itu adalah bagian dari kurikulum pengajaran yang diproduksi secara massal dari tahun 1920-an dan 30-an. Kredit... Stephanie Syjuco dan Ryan Lee Gallery Sementara negara memperdebatkan sejarah apa yang diajarkan di sekolah dan bagaimana caranya, seniman yang berbasis di Oakland Stephanie Syjuco menyelami arsip untuk mengungkapkan bagaimana sejarah dibuat. Pamerannya saat ini, "Gambar Laten," muncul dari tugas penelitian di Museum Nasional Sejarah Amerika Smithsonian. Di sana dia menelusuri kotak dan file, mengambil gambar dokumen dan foto yang seseorang, pada titik tertentu, percaya cukup penting untuk disimpan di gudang nasional. Dia meledakkan foto-fotonya, mencetaknya menjadi beberapa bagian pada kertas berukuran letter, memasangnya kembali, memfoto ulang gambar yang dijahit, dan kemudian mencetaknya kembali dengan kualitas tinggi. Kita bisa melihat manipulasi Syjuco dengan jelas di foto-foto terakhir — pita yang menyatukan bagian-bagiannya, tangan artis yang bersarung saat dia memindahkan kertas di atas mejanya. Beberapa di antaranya disajikan di tabel rendah di "Indeks Anarsip Sebagian (Platform Kerja)," mulai tahun 2021. Di sini, pemirsa dapat, saat menghapus, mengalami penyaringan ini melalui masa lalu. Lainnya, seperti "Better America" ​​(2021) dibingkai di dinding. Di sini kita melihat tangan bersarung memegang slide, diberi label untuk menunjukkan bahwa itu adalah bagian dari kurikulum pengajaran yang diproduksi secara massal dari tahun 1920-an dan 1930-an, dimaksudkan untuk menanamkan nilai-nilai nasionalis dan anti-sosialis kepada siswa. Film itu sendiri menjadi tidak terbaca dari waktu ke waktu — sebuah abstraksi dari garis-garis berwarna. Metaforanya sempurna: Sejarah, jauh dari kenyataan, proses yang berantakan untuk menciptakan keseluruhan dari masa lalu yang terpisah-pisah dan terkadang tidak terbaca. ARUNA D'SOUZALKesempatan Terakhir Union SquareAgosto Machado Hingga 27 Februari. Gordon Robichaux, 41 Union Square West (masuk di 22 East 17th Street), Manhattan, 646-678-5532, gordonrobichaux.com.Image Jack Smith's “Untitled (Props and Objects) dari apartemen Jack Smith yang diatur oleh Agosto Machado)” dalam pameran “Agosto Machado: Kota Terlarang.” Kredit... Gordon Robichaux; Ryan Page Pertunjukan yang luar biasa ini, pertunjukan tunggal yang dikemas dalam pameran kelompok, multidimensi dalam segala hal. Ini adalah kapsul waktu dari zaman keemasan pertunjukan pusat kota yang aneh, sekilas kehidupan legenda bawah tanah dan spesies seni instalasi yang memikat: arsip-sebagai-kumpulan.Kelahiran Kota New York, keturunan Cina-Spanyol-Filipina , Agosto Machado nongkrong di Warhol Factory pada 1960-an, berada di jalan-jalan untuk Stonewall, dan hadir ketika La MaMa membuka pintunya. Dia berpartisipasi dalam produksi teater abadi seperti Charles Ludlum dan Ethyl Eichelberger; berpose untuk Peter Hujar; dan berkolaborasi dengan Stephen Varble dan dengan Cockettes. Sementara itu, dia mengumpulkan suvenir dari orang-orang yang dia kenal (alat peraga panggung Jack Smith; sepatu Candy Darling) dan karya seniman dari generasi ke generasi, di antaranya Thomas Lanigan-Schmidt, Arch Connelly, Caroline Goe, Gilda Pervin, Tabboo! dan Martin Wong. Banyak rekan dan teman dibawa keluar oleh AIDS. Sorotan acara, berjudul "Kota Terlarang," adalah tempat suci bagi mereka, dibuat dari snapshot, klip berita, relik pribadi dan kartu doa. Semua bahan ini berasal langsung dari penyimpanan di apartemen Machado, dan masih banyak lagi yang masih ada. Item demi item, itu membuat pertunjukan yang menarik dan mengharukan; diambil bersama-sama itu adalah monumen untuk memori era dan populasi yang tidak boleh hilang. Beberapa institusi harus memperoleh dan melestarikannya, setiap sisa terakhir, dan mempekerjakan Machado sebagai kurator selamanya. HOLLAND COTTER Midtown'Cosmic Geometries' Melalui 26 Februari. Ruang Proyek EFA, 323 West 39th Street, lantai dua, Manhattan. 212-563-5855 x244; projectspace-efanyc.org.Image Dari kiri, empat karya yang lebih besar dan terpusat adalah "Night Watch" (2020) karya Diana Guerrero-Maciá; “Floater (Revisi)” karya Barbara Takenaga (2013–15); “Ratu Lebah” karya Marilyn Lerner (2020); dan Rico Gatson “Tanpa Judul (Double Sun/Sonhouse)” (2021). Kredit... Yann Chashanovski, melalui EFA Project Space Seniman Swedia Hilma af Klint adalah pelopor abstraksi sekaligus mistikus. Jadi, pada tahun 2020, ketika seniman Sharmistha Ray dan Dannielle Tegeder membentuk kolektif yang didedikasikan untuk karya seni oleh wanita, non-biner, dan orang-orang trans yang tertarik pada spiritualitas, mereka menamakannya menurut namanya. Proyek besar pertama Hilma's Ghost adalah menciptakan satu set kartu tarot. Sekarang duo ini telah mengkurasi "Geometri Kosmik," yang berkembang di dek, dengan melanjutkan eksplorasi hubungan antara abstraksi dan mistisisme. Dibantu oleh Sarah Potter, seorang penyihir, Ray dan Tegeder menggunakan tarot sebagai panduan untuk menata pertunjukan. Untuk masing-masing dari 25 seniman, mereka menarik kartu yang dipajang di samping karya tersebut. Bahkan jika, seperti saya, Anda tidak tahu banyak tentang tarot, Anda dapat menghargai kekuatan kuratorialnya. “Maret '94” (1994), kanvas tebal dan bercahaya karya Biren De, tergantung di sebelah lukisan Jackie Tileston “14. Muon Seance Aftermath” (2021), yang membangkitkan kekuatan tak terlihat dengan cara yang lebih tenang dan lebih kedap udara. Dengan tarian warna dan bentuk yang lucu, "Queen Bee" (2020) karya Marilyn Lerner dan "Untitled (Double Sun/Sonhouse)" karya Rico Gatson (2021) terlihat seperti pasangan yang sudah jadi. Lukisan transenden Barbara Takenaga “Floater (Revised)” (2013—15) unik, namun saya merasakan gemanya dalam rhinestones getar dari “Thalia” (2016) karya Evie Falci. Sangat menyenangkan melihat pameran knockout yang merayakan pencarian spiritual abstraksi. Karya-karya ini berakar pada budaya dan bentuk, tetapi juga mengingatkan bahwa ketika berbicara tentang seni, kita sering mencari sesuatu yang lebih dalam. JILLIAN STEINHAUER TribecaJessie Edelman Melalui 26 Februari. Galeri Denny Dimin, 39 Lispenard Street, Manhattan. 212-226-6537; dennydimingallery.com.Image Lukisan Jessie Edelman “Candlesticks” (2021) di acara barunya, “Getaway. Kredit... Jessie Edelman dan Denny Dimin Galeri Lukisan-lukisan baru Jessie Edelman menggoda tanpa pamrih. Tujuh kanvas dalam "Getaway" hidup dengan kontras, jika tidak bertentangan dengan pengaturan warna yang indah; variasi dalam penanganan cat dan distorsi gaya, ruang, dan skala. Mereka kontras pola datar dan kedalaman terjun atau miring, kecanggihan modernis dengan kenaifan gembira. Karya-karya baru ini menampilkan tanjung tropis yang rimbun dan teluk biru kehijauan yang terlihat dari atas: keamanan interior modernis yang ditata apik yang menyulap Rumah Kaca Phillip Johnson yang terkenal. Pertumbuhan hutan dan permadani area sama-sama dicat dengan sapuan kuas yang tebal. Adegannya menyerupai iklan real estat yang terlalu terang yang bersumber dari internet dan dikelilingi — dibingkai, sungguh, tetapi juga digerogoti — oleh pita pola bunga cerah yang memiliki kehidupannya sendiri. Mereka menyarankan tekstil petani murah yang terkadang dicampur dengan sentuhan Emilio Pucci atau Lilly Pulitzer. Aplikasi cat perbatasan sangat cekatan dan halus, seperti "kerajinan" yang diproduksi secara massal, begitu pula kandil suvenir turis yang didekorasi dalam lukisan seperti "Getaway" dan "Candlesticks", yang memiliki "Starry Night" karya van Gogh yang melayang di atas kepala. Lukisan-lukisan ini menyiratkan kelebihan pendapatan surplus, ditumbangkan oleh energi kaleidoskopik yang menghambat pembacaan tunggal. Misalnya, pola bunga dapat dibaca sebagai kertas dinding atau taplak meja. Jika yang terakhir, adegan real estat direduksi menjadi ukuran kartu pos atau foto yang dijatuhkan saat pelayan menyajikan sarapan di tepi kolam renang. Karya Edelman menyenangkan untuk dibongkar dan akhirnya indah, jika Anda menyukai kecantikan dengan sisi humor. ROBERTA SMITH NoHOThomas Sills Through 26 Februari. Eric Firestone, 4 Great Jones Street, Manhattan; 646-998-3727, ericfirestonegallery.com.Image lukisan Thomas Sills "Perjalanan" (1958) di Eric Firestone Gallery. Kredit... Estate of Thomas Sills/Artists Rights Society (ARS), NY; Galeri Eric Firestone Thomas Sills (1914-2000), bagi banyak pemirsa kontemporer, adalah penemuan: Sebagian besar karya dalam "Variegasi, Lukisan Dari 1950-an-70-an" di Eric Firestone disimpan sebelum dipasang di sini. Sills hampir tidak dikenal selama masa hidupnya. Dia bersosialisasi dengan pelukis Sekolah New York seperti Willem de Kooning dan Mark Rothko dan memiliki beberapa pameran tunggal di Galeri Betty Parsons yang bersejarah sebelum mundur dari dunia seni sekitar tahun 1980. Lukisan Sills di sini mencakup banyak perhatian Sekolah New York abad ke-20 tradisional. Kanvas-kanvas abstrak dengan bentuk-bentuk yang saling terkait berwarna seperti “Travel” (1958) dan “Son Bright” (1975) memiliki ketegangan dinamis dan dinamis yang mirip dengan karya-karya Lee Krasner dan Piet Mondrian, yang bermain dengan kisi-kisi pelukis, dan dengan kedagingan, promiscuous merah muda disukai oleh de Kooning. Permukaan kusen juga penting. Dia menggunakan kain lap sebagai ganti kuas untuk menyelesaikan lukisannya, dan ini memberikan pigmen tampilan yang sangat rata, terintegrasi dengan indah ke permukaan kanvas. Lalu kenapa dia dilupakan? Salah satu alasannya adalah bahwa Sills adalah seniman Afrika-Amerika yang sebagian besar belajar sendiri. Lahir dari petani bagi hasil di North Carolina, ia pindah ke Harlem sebagai seorang anak sebelum menjadi bagian dari dunia seni New York. Alasan lain: Ada beberapa kanvas spektral yang cukup aneh di sini, seperti “Easter Holliday” (1955) dan “The Morning” (1954), yang memiliki burung merah muda yang ceria di tengahnya. Lukisan spiritualis dan transendentalis, yang berkembang di luar New York, sedang dievaluasi ulang hari ini (pikirkan Hilma af Klint dan Agnes Pelton). Abstraksi jazzy, keren, dan terampil Sills menawarkan kasus penemuan kembali yang disambut baik. MARTHA SCHWENDENER MidtownChris Martin Melalui 26 Februari. Anton Kern Gallery, 16 East 55th Street, Manhattan; (212) 367-9663, antonkerngallery.comImage "Telescope Sphinx in Outer Space" karya Chris Martin, 2019-2021, dikolase dengan foto-foto Jupiter, piramida Giza, dan Greta Garbo. Kredit... Galeri Chris Martin dan Anton Kern Sungguh mendebarkan membayangkan sebuah pameran — bahkan yang kecil — dari lukisan-lukisan spiritual Chris Martin yang cantik, funky, di Whitney atau Museum of Modern Art, belum lagi Museum Brooklyn. Tapi siapa yang saya anak? Meskipun di akhir tahun 60-an, pahlawan dari adegan lukisan Williamsburg ini (yang juga telah ditampilkan di galeri Manhattan sejak 1988) tidak terwakili di museum ini; dia bahkan belum pernah menghadiri Whitney Biennial. Di museum, lukisan-lukisan ini akan menarik para pemula seni dari segala usia. Dengan kiasan mereka ke langit malam yang luas, keasyikan dengan luar angkasa dan sapuan kuas improvisasi yang elegan, mereka sangat mudah diakses. Penambahan glitter, payet, dan gambar majalah yang sering dilakukan semakin memperjelas abstraksi. Dan meskipun seringkali sangat besar, lukisan Martin tidak pernah luar biasa. Cahaya mereka yang memikat semuanya mengundang kita untuk memasuki ruang mereka yang luas, dan hanyut. Dalam lukisan tanpa judul, bidang padat kilau cokelat menjadi taman untuk kolase daun ganja yang berkilauan. "Pemandangan Jupiter" menandai medan yang berapi-api dengan oval putih yang dikelilingi kuning. Dan tur de force pertunjukan, "Telescope Sphinx di Luar Angkasa," dikolase dengan foto-foto Jupiter, piramida Giza, dan Greta Garbo. Pada cakrawala yang sangat rendah, Martin mengulas motif dari karyanya sebelumnya. Satu lukisan besar tanpa judul tidak seperti Martin yang pernah saya lihat; bekerja dengan kuas yang sangat lebar, dia menciptakan pusaran warna dan cahaya yang diakhiri dengan hamburan bintang emas kecil yang terkendali.

Baca Juga:

• Mesin Blender Bumbu
• Mesin Pencuci Empon Empon
• Mesin Deep Fryer

ROBERTA SMITH Chelsea 'Kolaborasi Surealis' Melalui 26 Februari. Galeri Paul Kasmin, 297 10th Avenue, Manhattan; 212-563-4474; kasmingallery.com.Image Yves Tanguy dan lainnya, "Cadavre exquis," 1930, pensil warna di atas kertas. Kredit... Galeri Kasmin Pada tahun 1925, ceritanya, André Breton, Yves Tanguy, Jacques Prévert dan Marcel Duhamel bergiliran menggambar pada selembar kertas yang dilipat menjadi beberapa panel horizontal. Hanya ketika itu dibuka, mereka akan menemukan apakah mereka telah menghasilkan gambar mimpi, dakwaan kenabian dari peradaban yang tidak teratur, atau lelucon. Meskipun mereka juga melukis, mencetak selebaran, merekam film, dan mengedarkan petisi, permainan ruang tamu ini - yang kemudian disebut "mayat yang sangat indah," setelah satu baris dalam puisi yang ditulis dengan teknik yang sama - mungkin merupakan kontribusi surealis Parisian yang paling bertahan lama. Ini juga merupakan fokus dari pertunjukan yang kaya, dengan subjudul “Puisi, Seni, Sastra, Kecerdasan, dan Kehidupan Itu Sendiri”, yang dipersembahkan oleh Galeri Paul Kasmin dan dealer pribadi Timothy Baum. Berbagai ephemera sejarah pameran termasuk manifesto sungguh-sungguh menyakitkan ditandatangani oleh Diego Rivera; foto-foto candid Breton dan teman-temannya; “komunikasi dessins, ” di mana banyak artis menanggapi satu permintaan verbal; dan gaya alternatif mayat indah yang dilakukan dengan foto atau di atas kertas hitam kaku. Tetapi hit yang sebenarnya adalah orisinal spontan yang compang-camping, yang menunjukkan bahwa memahami dunia yang menyakitkan dan menakutkan, jika Anda benar-benar memikirkannya, bisa menyenangkan. Salah satu contoh tahun 1928, oleh Breton, Duhamel, Max Morise dan Tanguy, menunjukkan makhluk berbulu oranye dengan sepasang cerobong asap di atas kepalanya seperti tanduk, pot bunga untuk mulut, bra kelapa hijau, usus terlihat, dan sepasang kecil mayat berdarah untuk sepatu. AKAN HEINRICH Lower East SideMaja Ruznic Melalui 26 Februari. Karma, 188 & 172 East Second Street, Manhattan; (212) 390-8290, karmakarma.org.Image Maja Ruznic "Mother (Blue-Yellow Hand)," dari tahun 2021, dalam acara barunya, "Consulting With Shadows." Kredit... Maja Ruznic dan Karma Sosok dengan wajah seperti topeng muncul seolah-olah dari kabut dalam lukisan-lukisan terbaru Maja Ruznic. Kadang-kadang angka-angka itu tidak muncul sama sekali, seperti dalam abstraksi menyeluruh dari "Ibu (Hijau Ungu)," yang secara luar biasa berbunyi seperti bayangan bulan melamun yang menggambarkan ulang bunga lili air Monet. Dalam 33 lukisan dan karya di atas kertas yang dipamerkan, semuanya dari tahun 2021, Ruznic memunculkan banyak seniman lain sambil tetap teguh pada dirinya sendiri. Lukisan abstrak dan latar belakangnya mengingatkan pada nada jenuh Clyfford Still dan, yang terbaik, mendekati kekaguman hormat Mark Rothko. Bentuk seperti serangga dari "Ibu & Anak (Hijau)" menunjukkan monster ibu laba-laba dari Louise Bourgeois. "Bapa (Consulting Shadows I)" membangkitkan geometri dan simbolisme teosofis Hilma af Klint. “Mother (Blue-Yellow Hand)” tampaknya merujuk pada putri balita Marlene Dumas, yang digambarkan dalam “The Painter” dengan tangan berwarna kontras merah dan biru. Di sini, dalam kebalikan Ruznic, tangan ibu tituler itu ditutupi cat biru dan kuning, seolah menegaskan kembali perannya sebagai seniman setelah menjadi seorang ibu. Karya-karya di sini dibuat setelah melahirkan di tengah pandemi dan mendokumentasikan ruang malam yang kurang tidur dari ibu awal. Terlepas dari banyak referensi, ini bukan postmodernisme atau pastiche akademis yang sibuk. Kumpulan nokturnal Ruznic koheren dan liris, seringkali paling kuat ketika tidak berusaha melakukan terlalu banyak. Sementara lebih sedikit karya akan dibuat untuk pameran yang lebih halus, lukisan kecil dan karya di atas kertas dapat membuat Anda bertanya-tanya bagaimana hubungannya dengan delapan lukisan yang lebih besar, memberikan kesempatan untuk berspekulasi tentang bagaimana sang seniman bekerja. JOHN VINCLER Upper East SideJohn Willenbecher Melalui 26 Februari. Craig F. Starr Gallery, 5 East 73rd Street, Manhattan. 212-570-1739; craigstarr.com.Image “Unknown Game #3” karya John Willenbecher (1963) mencakup roda tipe rolet kayu dan empat bola dicat yang terbungkus dalam kotak bayangan kaca yang dilukis dengan tangan. Kredit... John Willenbecher dan Craig F. Starr Gallery Selama beberapa dekade terakhir, seniman otodidak John Willenbecher telah relatif diabaikan. Tetapi pamerannya “Works From the 1960s” membuktikan bahwa bahkan keluarannya yang paling awal pun layak untuk ditinjau kembali. Pertunjukan dimulai dengan kotak bayangan yang dipasang di dinding berisi barang-barang dari jenis yang mungkin ditemukan di penjualan barang bekas. Disusun menjadi konfigurasi sederhana dan dicat dengan warna hitam, putih atau abu-abu yang menyeramkan, benda-benda yang ditemukan ini termasuk ornamen Natal, langkan dan roda rolet buatan tangan, belum lagi deretan bola. Kadang-kadang dihiasi dengan angka, bola-bola ini memanggil lotere, surat suara rahasia, atau Newton's Cradles. Beberapa permainan aneh jelas sedang terjadi. Lima huruf samar berlapis emas — “PANSA”— bersinar di dekat bagian bawah “Unknown Game #3” (1963). (Seniman telah lama bungkam tentang apa arti kata itu.) Di ruang kedua, sekelompok karya seni lebih lugas tentang materi pelajaran mereka: astronomi dan warna. Gambar "Study for Sunup Sundown" (1966) memunculkan warna biru dan merah muda dari langit yang berubah. Sebagai sejarawan seni terlatih, Willenbecher berutang banyak dalam komposisinya pada kotak Joseph Cornell dan koleksi serba hitam Louise Nevelson. Dan minatnya dalam bahaya dan peluang tentu saja menghubungkannya dengan artis Dada seperti Marcel Duchamp. Ditinjau kembali sekarang, meskipun, Karya Willenbecher bergema di nada kontemporer yang unik, pada saat setiap acara TV berikutnya menampilkan cobaan dan kontes yang kejam. Tepat dan sangat elegan, kotak bayangannya membangkitkan penjahat pola dasar saat itu: maestro kuat yang tak tersentuh memastikan bahwa rumah selalu menang. DAWN CHAN Chelsea'The Unseen Professors' Melalui 26 Februari. Tina Kim Gallery, 525 West 21st Street, Manhattan. 212-716-1100; tinakimgallery.com.Image Leo Amino "Refractional #21," dari 1967, resin poliester. Kredit... Perkebunan Leo Amino dan Galeri Tina Kim; Hyunjung Rhee Seperti yang ditunjukkan oleh penulis dan kurator John Yau, mengelompokkan pematung Minoru Niizuma (1930-1998), Leo Amino (1911-1989) dan John Pai (lahir 1937) sebagai "Asia-Amerika" sedikit reduktif — tetapi mungkin juga menjadi cara paling rapi untuk merangkum mengapa mereka tidak mendapat lebih banyak perhatian. Lahir di Taiwan yang diduduki Jepang, Amino sempat kuliah di California sebelum pindah ke New York, sementara Niizuma, dibesarkan dan dididik di Tokyo, tidak sampai di sini sampai tahun 1959. Pai, yang tinggal di Connecticut, meninggalkan Korea bersama orang tuanya sebagai berusia 11 tahun. Disandingkan oleh Yau dalam “The Unseen Professors”, karya-karya mereka saling melengkapi dengan kuat. Baja las Pai mengitari batas antara matematika dan kerajinan, sementara patung marmer tebal Niizuma mengungkapkan keindahan batu tanpa menghilangkan kekerasan ambivalen dari ukirannya. Tapi itu Amino, jika Anda melewatkan pertunjukan tahun lalu di David Zwirner, siapa yang akan menjadi wahyu. Bereksperimen dengan resin poliester setelah dideklasifikasi setelah Perang Dunia II, Amino membuat kotak transparan yang dimeriahkan dengan guratan warna primer, mengubah pengalaman biasa melihat patung dengan membuat objeknya tampak, dari sudut pandang tertentu, kurang solid. Sisi miring dari "Refractional #21," komposisi geometris segitiga dan belah ketupat, berkedip-kedip seperti film lama saat Anda bergerak di sekitarnya, sementara "Refractional 27A," yang warnanya mengambang seperti awan di tangki ikan beku, tampaknya tidak ada. dalam tiga dimensi penuh tetapi hanya dalam dua setengah. AKAN HEINRICHLebih Banyak untuk Melihat Lower East SideLouisa Matthiasdottir Hingga 10 Maret. Tibor de Nagy, 11 Rivington Street, Manhattan; 212-262-5050; tibordenagy.com.Image “Kuda Hitam, Rumah Kuning, Atap Merah I” karya Louisa Matthiasdottir, sekitar tahun 1987-89, dalam pertunjukan “Hestar — Lukisan di Islandia.” Kredit... Perkebunan Louisa Matthiasdottir; Alan Wiener Lahir di Reykjavik, Islandia, pada tahun 1917, Louisa Matthiasdottir datang ke New York pada tahun 1942 dan tinggal, baik di kota atau di bagian utara, sampai kematiannya pada tahun 2000. Seperti suaminya, Leland Bell, dan seniman lain dari kelompok mereka, Matthiasdottir adalah seorang pelukis figuratif, tetapi salah satu untuk siapa sosok itu adalah dalih untuk mengatur balok warna sebagai tujuan itu sendiri. Dalam “Hestar — Paintings in Iceland,” sebuah pertunjukan aneh dan indah di Tibor de Nagy, blok warna tersebut dikhususkan untuk kuda-kuda kecil kekar (“hestar”) yang diperkenalkan ke negara asalnya oleh pemukim Nordik. Digambarkan sebagian besar dalam siluet, tanpa mata, dengan latar hijau bercahaya dan garis biru laut dan langit, gambar berulang ini mungkin membuat Anda berpikir tentang pelukis konseptual yang lebih baru seperti Ann Craven atau Josh Smith. Tapi komposisi Matthiasdottir tidak sesederhana kelihatannya. Seekor kuda di lapangan hijau, dengan batang tubuh yang besar dan kaki yang sempit, sebenarnya adalah cara yang sempurna untuk menjelajahi cara benda padat mengubah persepsi kita tentang latar belakang mereka. Dalam “Kuda Hitam Dengan Penunggang Berbaju Merah Muda”, kaki hewan itu semua rata tetapi tanah tampaknya naik, dan berubah warna, di bawah perutnya. Sementara itu, kuda berwarna kastanye di “Kuda Hitam, Rumah Kuning, Atap Merah I” yang megah, memancarkan cahaya keemasan seperti lampu listrik. AKAN HEINRICH TriBeCaH.R. Giger Sampai 12 Maret. Lomex, 86 Walker Street, Manhattan; 917-667-8541, lomex.gallery.Image HR Giger "Female Torso," (1994), aluminium dan cor perunggu yang dicat, dengan alas, dalam pameran "HRGNYC." Kredit... Lomex dan HR Giger Estate Kejenakaan hewan yang lucu dan lucu di TikTok mungkin satu-satunya yang menyatukan peradaban saat ini. Dalam dunia seni, HR Penggambaran gelap Giger tentang alien erotis dan posthumans adalah perekat nonpartisan. Acaranya, “HRGNYC,” yang diselenggarakan dengan Alessio Ascari dari media Kaleidoscope, dengan mudah menjadi salah satu yang paling populer di pusat kota saat ini. Selain patung, cetakan, gambar, dan foto di galeri, akun Instagram Lomex juga mendokumentasikan orang-orang yang memamerkan tato, upeti, dan kostum yang terinspirasi Giger. Giger (1940-2014) adalah seorang seniman Swiss yang menggunakan teknik airbrush untuk menciptakan sosok "biomekanik" yang menggabungkan manusia dengan mesin dan membayangkan masa depan dalam istilah gothic yang menyeramkan. Kontribusinya mencapai titik tinggi dalam desainnya untuk film-film seperti "Alien 3" (1992) dan versi "Dune" yang belum direalisasi oleh Alejandro Jodorowsky. Namun, dalam gaya Swiss sejati, Giger juga terobsesi dengan jam tangan — penggabungan tubuh dan waktu mekanis — dan ini sering muncul di pertunjukan, seperti dalam aluminium ungu dan perunggu “Female Torso (1994) yang sebenarnya adalah desain untuk jam tangan Swatch. Estetika Giger adalah batu ujian bagi berbagai komunitas. Pembukaan untuk “HRGNYC,” misalnya, menyatukan anggota band Slayer serta penggemar Comic Con. Sama seperti penggambaran fantasi berlebihan Tom dari Finlandia tentang pria gay yang berlayar, gambar cabul Giger condong ke kitsch — tetapi kitsch yang menjadi relevan secara budaya di zaman dystopian ini. Bagi sebagian besar peserta di sini, ini bukan kesenangan yang terlalu bersalah. Saya lebih baru, jika enggan bertobat. MARTHA SCHWENDENER Lower East SideJulia Rommel Melalui 5 Maret. Bureau, 178 Norfolk Street, Manhattan; 212-227-2783, biro-inc.com. Image Pemandangan pameran Julia Rommel "Paman" di Biro. Dari kiri, “Life Boat,” “Forgiveness,” “Red Nude” dan “Go Fish,” semuanya dari tahun 2021. Kredit... Dario Lasagni Ketika saya melihat pameran Julia Rommel pertama saya di Bureau pada tahun 2019, saya dibawa dengan kegembiraan anarkis dari abstraksi geometris seniman yang berbasis di New York, mode yang biasanya membuat saya kedinginan dalam kesempurnaannya. Berbeda dengan kualitas murni Ellsworth Kelly atau Carmen Herrera, lukisan Rommel kasar. Konstelasi staples menghiasi beberapa permukaannya atau menonjol dari tepinya, jeruji tandu terlihat menggoda, tambalan linen kasar tetap tidak dipoles atau berceceran cat. Namun, penggunaan bentuk yang bijaksana dan mata yang cerah untuk warna menjaga kemiripan keluarga dengan tradisi. Judul pamerannya, “Paman, ” dapat merujuk pada hubungan keluarga atau seruan yang mungkin diteriakkan seorang anak kepada orang lain saat lengannya ditekuk ke arah yang salah. Teknik khas Rommel adalah melipat permukaannya saat dia bekerja, menekan substrat kainnya, yang membuat geometrinya menonjol dengan kualitas pahatan yang menuntut Anda untuk melihat lebih dekat. Di sini Anda akan menemukan detail kecil, seperti ekspresionis abstrak yang berkembang dalam warna dalam ruang kurang dari satu inci persegi dalam komposisi yang diblokir warna. Karyanya telah berkembang untuk memasukkan urutan monokromatik dari persegi panjang vertikal yang dibagi dengan lipatan yang tepat dan tegas, dilukis dengan sapuan kuas lebar yang ekspresif, seperti dalam magma "Red Nude," atau ditampilkan dalam komposisi murni, seperti dalam hijau tua dari " Pegangan Baru.” Kenyamanan yang menyenangkan terpancar dari lukisan-lukisan ini, dengan senang hati melenyapkan betapa sulitnya hal ini untuk dilakukan. JOHN VINCLERTriBeCaDavid Diao Sampai 12 Maret. Postmasters, 54 Franklin Street, Manhattan; 212-727-3323; postmastersart.com.Image Abstraksi terbaru oleh David Diao, di belakang kursi Gerrit Rietveld tahun 1923 “Berlin”, yang komponennya menyediakan bentuknya. Kredit... Postmasters; Echo Sniderman Seabad yang lalu, Marcel Duchamp menghadirkan benda-benda sehari-hari — urinoir, sekop — sebagai seni "siap pakai". Sebuah "siap pakai yang dibantu" adalah kartu pos yang ditemukan dari Mona Lisa dengan kumis ditambahkan; sebuah "siap pakai timbal balik" seharusnya mengambil seni, seperti Rembrandt, dan menggunakannya sebagai papan setrika sehari-hari. Dalam pertunjukan solo Postmasters ke-14 David Diao sejak 1985, seniman berusia 79 tahun itu mengambil objek sehari-hari yang sudah berasal dari seni dan menggunakan cat untuk mengubahnya kembali menjadi jenis seni yang berasal darinya. Ini seperti "siap pakai timbal balik yang siap pakai" — seni yang setara dengan triple axel skater. Benda yang tidak biasa digunakan Diao untuk membuat karyanya tergantung di langit-langit Postmasters: Ini adalah kursi "Berlin" yang dibuat oleh desainer Belanda Gerrit Rietveld pada tahu

Tomás Saraceno: Mengikuti Kehidupan Laba-laba di Udara

The Shed telah berusaha keras untuk multitasking Tomás Saraceno — seorang seniman Argentina visioner dan selebritas pencinta lingkungan yang menempati peringkat di antara bisikan laba-laba terbesar di dunia — dengan memberinya tiga dari empat ruang publiknya, atau sekitar 28.000 kaki persegi. Dan Saraceno tampaknya telah membalas budi, memasang survei pewahyuan jika berpikiran tinggi tentang karyanya di galeri sementara, serta dua instalasi yang menginspirasi di tempat lain di gedung itu. Totalitasnya berjudul “Tomás Saraceno: Particular Matter(s).” Yang paling ambisius dari ini adalah komisi gudang yang mungkin membuat Anda merasa, secara harfiah, lemah di lutut. “Bebaskan Udara: Cara Mendengar Alam Semesta di Laba-Laba/Web”, pada dasarnya, adalah inti dari seluruh upaya ini. Nanti lagi. Instalasi yang lebih kecil, “Museo Aero Solar”, terlihat di ruang ketiga yang besar, berpusat pada bola besar yang menyerupai tenda dan sebenarnya adalah balon beralas yang terbuat dari kantong belanjaan plastik — itu terlihat fantastis, seperti selimut gila berwarna-warni yang tembus cahaya dan pengunjung dapat masuk dan berjalan-jalan. Ini adalah salah satu proyek dari Aerocene Foundation, grup global crowdsourced yang dipimpin oleh Saraceno dan didedikasikan untuk mengembangkan penerbangan bebas bahan bakar — hanya didukung oleh pergerakan angin dan matahari. Pameran dan instalasi bersama-sama membentuk sesuatu seperti Saraceno penuh: pendidikan bagian; bagian kolaborasi; bagian dari pengalaman keluar dari tubuh, dengan berbagai macam keindahan yang terjalin di seluruh bagian. “Particular Matter(s)” ditandai dengan presentasi terbesar dari karya seniman di Amerika Serikat. Keseluruhannya telah diorganisir oleh Emma Enderby, kurator Shed pada umumnya, dengan Alessandra Gómez dan Adeze Wilford, asisten kuratornya. Tampilan Shed dilengkapi dengan cara yang bermanfaat oleh pertunjukan Saraceno di perwakilan lamanya, Galeri Tanya Bonakdar di Chelsea.Image Pengunjung bersantai di dua tingkat di dalam bola putih besar "Free the Air" dalam pertunjukan "Tomás Saraceno: Particular Matter (S)." Kredit... George Etheredge untuk The New York Times Saraceno bukanlah seorang seniman seperti seorang polymath dalam sebuah misi dan usahanya sering kali tampak lebih seperti sains daripada seni. Berbagai pameran The Shed mencerminkan, dalam berbagai tingkatan, aktivitasnya sebagai araknofilia, seniman, arsitek, aktivis, guru, musisi, pencinta lingkungan, dan pejuang keadilan sosial untuk udara bersih. Tujuan menyeluruhnya dapat diringkas sebagai membuat manusia hidup dengan benar. Ini berarti membuat mereka mengerti bahwa mereka bukanlah puncak piramida kekuasaan dalam apa yang disebut era Antroposen, tetapi ada di bidang horizontal dengan semua non-manusia, di mana mereka harus peka dan dari mana mereka harus banyak belajar. Dan mereka ada dalam apa yang Saraceno lebih suka sebut sebagai era Aerosen di mana kerja sama antarspesies dan udara bersih diperlukan. Yang mengatakan, orang mungkin bertanya bagaimana seseorang dengan kesadaran lingkungan akut Saraceno memungkinkan karyanya untuk ditampilkan di Gudang. Memang bangunan itu, atau setidaknya bagian luarnya, mungkin merupakan bagian terbaik dari bencana sipil dan kegagalan kehendak Hudson Yards, mungkin yang terburuk dari banyak luka arsitektur yang ditimbulkan sendiri baru-baru ini di kota ini. Pencarian Saraceno telah diilhami oleh laba-laba dan dasar cerdik dari gaya hidup mereka di udara — jaring multifungsi yang menyediakan tempat berlindung, perlindungan, makanan dan, ketika bergetar, alat komunikasi. Jaring laba-laba juga berfungsi sebagai model untuk patung yang melayang. Terdiri dari jaring dan bola tembus pandang, ini telah menjadi karya Saraceno yang paling terkenal, di mana "Free the Air" adalah contoh terbaru. Bagian pameran "Materi Tertentu Tomas Saraceno" dimulai dengan tontonan tenang kolaborasinya dengan laba-laba: di galeri yang gelap, tujuh kotak kaca masing-masing memegang beberapa jaring terhubung yang berbeda, semuanya putih berkilauan. Setiap jaring telah dibangun oleh spesies laba-laba yang berbeda pada bingkai kawat kokoh di studio Saraceno, di mana ia memantau kemajuan mereka, mengganti satu spesies dan memperkenalkan spesies lain sesuai keinginannya. Terutama dalam kegelapan, struktur kristal pucat dan seperti hantu ini membuat Anda menghargai betapa kita telah berhutang budi pada laba-laba, karena jaring mereka memberi manusia purba preseden untuk arsitektur dan tekstil. Gambar Detail web di bagian acara yang disebut “Webs of At-tent(s)ion,” (2020). Kredit... George Etheredge untuk The New York Times Untuk mata amatir, jaring dari spesies yang berbeda di sini umumnya terbagi menjadi kisi-kisi, sering kali dalam bentangan seperti kipas, kanopi empuk dan kumpulan helai gila yang dapat menyerupai tongkat pikap yang dilempar digantungkan di udara. Kombinasinya menakjubkan, menunjukkan arsitektur modern dan — karena perubahan pola dan ritme yang tiba-tiba — sapuan kuas atau musik. Informasi tentang laba-laba yang bekerja di setiap vitrine (berapa banyak anggota spesies untuk berapa lama) ditemukan, sayangnya, hanya pada label di luar galeri; itu harus tersedia di selebaran. Dari sini, tema bergeser ke polusi udara, yang membahayakan laba-laba dan manusia, terutama yang sangat kecil, butiran karbon yang dapat bernapas yang disebut materi partikulat. Di satu sudut Anda akan melihat "Arachnomancy," setumpuk kartu tarot yang dicetak dengan tinta di atas kertas netral jejak karbon yang memberi penghormatan kepada peramal laba-laba Kamerun. Menempati tiga dinding di dekatnya, “Kami Tidak Semua Menghirup Udara yang Sama,” komisi Shed lainnya, menentang ketidakadilan polusi udara, yang membagi ras lebih dari kelas, menurut Harriet A. Washington, penulis “Medical Apartheid,” yang telah menulis tentang rasisme lingkungan dan menyumbangkan esai ke katalog. Karya tersebut terdiri dari tujuh lembar kertas besar, dibingkai, yang mengukur polusi di berbagai lokasi di tujuh negara bagian selama dua tahun. Derajat polusi terdaftar dalam deretan titik mulai dari hampir tidak terlihat hingga sangat gelap. Mereka terlihat cukup Minimalis, tetapi menggambarkan secara gamblang ketidakadilan negara ini dalam hal udara bersih. Dua galeri terakhir pertunjukan kembali ke estetika jaring.

Baca Juga:

• Mesin Penggoreng Abon
• Mesin Blender Bumbu
• Mesin Mixer Susu

"Sounding the Air" terdiri dari lima helai panjang dan tebal yang dibuat dari beberapa benang sutra dari jaring laba-laba. Lampu yang diarahkan pada untaian menyebabkannya bergelombang; Melalui kamera dan komputer, gerakan-gerakan ini diterjemahkan ke dalam suara yang menyerupai musik avant-garde. Dalam "Bagaimana Menjerat Alam Semesta Laba-Laba/Web?" laser memindai berulang kali melalui hamparan jaring laba-laba. Hasilnya adalah keindahan merah yang tampak kosmik dan bergeser. Pesannya? Jaring laba-laba jauh lebih rumit daripada yang disarankan di galeri pembukaan pertunjukan. Gambar Masih dari "Tata Inti," 2018, sebuah video yang menunjukkan penerbangan uji patung aerosol di atas Salinas Grandes Argentina. Kredit... Tomás Saraceno dan Aerocene Foundation Dalam galeri terakhir, “A Thermodynamic Imaginary,” Saraceno menggunakan bola Mylar besar, kabel dan kabel seperti jaring, barang-barang kecil dari kaca dan bayangannya untuk membangkitkan pergerakan planet dan bahkan gerhana dalam instalasi konvensional yang indah namun mencemaskan. Namun video menarik yang diputar di dinding kiri galeri ini memungkinkan kita melihat sekilas patung aerosolar hitam, menyerupai layang-layang tiga dimensi; mereka adalah bagian dari proyek "Aerocene" yang sedang diuji di Salinas Grandes di Argentina. Menyaksikan patung-patung naik dan menjauh dari sosok-sosok kecil di tanah adalah pemandangan yang mendebarkan. Jika Anda telah membaca teks dinding secara keseluruhan, Anda mungkin menemukan pameran ini sedikit sulit, tetapi Anda mungkin telah belajar banyak dan mungkin merasa sedikit lebih optimis tentang nasib planet ini. Ini membantu untuk mengetahui bahwa jeda menunggu di potongan instalasi, terutama menenangkan "Bebaskan Udara," bola putih besar Saraceno (95 kaki diameter) yang telah lebih atau kurang memakan ruang McCourt. Di dalamnya ada sepasang jaring baja seperti trampolin. Ruang terang menjadi gelap, saat pengunjung — duduk atau tengkurap — mendengarkan, dan merasakan, konser 20 menit: getaran komposisi yang berasal dari pergerakan partikel udara yang direkam. Ini bisa membawa Anda, sebentar, keluar dari dunia ini. Pertunjukan di Tanya Bonakdar, 521 West 21st Street, dalam beberapa hal merupakan kelanjutan dari Shed's. Ini berpusat pada instalasi yang terbuat dari tali poliester hitam yang pertama kali dikenal Saraceno. Tali melar merambah ruang putih dengan struktur bola rumit di persimpangannya. Ini menyerupai bintang, kepingan salju, partikel yang diperbesar dan, tentu saja, jaring laba-laba — dilengkapi dengan mikrofon langsung yang terhubung ke speaker aktif. Pengunjung diizinkan untuk menyentuhnya, memicu getaran, seperti laba-laba di jaringnya. Jumlah dari dua pameran ini, tetapi terutama yang ada di The Shed, adalah apresiasi yang jauh lebih dalam tentang apa yang telah digerakkan oleh kecintaan Saraceno pada laba-laba. Apakah Anda lebih menyukai makhluk ini atau tidak, mereka membantu mewujudkan masa depan yang lebih baik. Gambar Tampilan instalasi "Musim Gugur yang Hening," di Galeri Tanya Bonakdar. Kredit... Galeri Tomás Saraceno dan Tanya Bonakdar; Pierre Le Hors Tomás Saraceno: Masalah Khusus Sampai 17 April di Shed, 545 West 30th Street, Manhattan; 646-455-3494, gudang.org. tetapi terutama yang ada di Gudang, adalah apresiasi yang jauh lebih dalam tentang apa yang telah digerakkan oleh kecintaan Saraceno pada laba-laba. Apakah Anda lebih menyukai makhluk ini atau tidak, mereka membantu mewujudkan masa depan yang lebih baik. Gambar Tampilan instalasi "Musim Gugur yang Hening," di Galeri Tanya Bonakdar. Kredit... Galeri Tomás Saraceno dan Tanya Bonakdar; Pierre Le Hors Tomás Saraceno: Masalah Khusus Sampai 17 April di Shed, 545 West 30th Street, Manhattan; 646-455-3494, gudang.org. tetapi terutama yang ada di Gudang, adalah apresiasi yang jauh lebih dalam tentang apa yang telah digerakkan oleh kecintaan Saraceno pada laba-laba. Apakah Anda lebih menyukai makhluk ini atau tidak, mereka membantu mewujudkan masa depan yang lebih baik. Gambar Tampilan instalasi "Musim Gugur yang Hening," di Galeri Tanya Bonakdar. Kredit... Galeri Tomás Saraceno dan Tanya Bonakdar; Pierre Le Hors Tomás Saraceno: Masalah Khusus Sampai 17 April di Shed, 545 West 30th Street, Manhattan; 646-455-3494, gudang.org. Masalah Khusus Sampai 17 April di Shed, 545 West 30th Street, Manhattan; 646-455-3494, gudang.org. Masalah Khusus Sampai 17 April di Shed, 545 West 30th Street, Manhattan; 646-455-3494, gudang.org..

Ulasan 'Creation Stories': Pria di Balik Label Rekaman Parau

Ada sebuah puisi di mana penulis dan musisi Inggris Martin Newell mengubah nama seorang gitaris superstar tahun 1960-an menjadi kata kerja. Seperti: Saya Hank Marvinned kami semua melakukannya dengan raket bulu tangkis di depan cermin kami. Tidak peduli negara mana, jika Anda dibesarkan ketika rock 'n' roll adalah raja, Anda tahu apa yang dia bicarakan. Alan McGee tahu. Dalam adegan awal "Creation Stories" Nick Moran, sebuah film fiksi berdasarkan otobiografi pria sejati, kita melihat dia, remaja Glasgow kutu buku di tahun 70-an, membuat keributan sementara stereo-nya membuatnya. Ayah tidak setuju. Film biografi yang melenting dan melompat-lompat ini menceritakan perjalanan McGee menjadi legenda rock — bukan sebagai pemain tetapi sebagai manajer dan pemilik label yang memperjuangkan artis perintis seperti My Bloody Valentine. “Saya tidak memiliki bakat apa pun,” McGee yang lebih tua tetapi belum lebih bijaksana, yang diperankan oleh Ewen Bremner, mengakui. Kisah tentang bagaimana McGee berhasil memunculkan label Creation yang sangat sukses secara fenomenal — dan, dengan band supernova Oasis, membentuk semangat pop Inggris — sambil berperilaku dengan cara yang sangat bertentangan dengan yang dianut oleh para pebisnis yang sangat efektif bukanlah tanpa minat.

Baca Juga:

• Mesin Inkubator Yogurt
• Mesin Suwir Daging
• Mesin Grinder Kopi

untuk sebagian besar waktu pemutarannya, tombol reverb film disetel tinggi, dan yang menggema adalah film "Trainspotting" (di mana Bremner ikut membintangi; sutradara Danny Boyle adalah produser di sini) dan "24 Hour Party People" (tentang lainnya pengusaha gonzo dan label rekamannya). “Stories” memang memiliki beberapa adegan lucu dan mempengaruhi. Tapi yang paling menarik ketika McGee, setelah sadar, membuat aliansi keliru dengan Tony Blair. Saat-saat menarik di mana, seperti yang dikatakan McGee di sini, “perusahaan menyamar sebagai hipster, ” bisa membuat film yang berdiri sendiri yang benar. Sayangnya, "Creation Stories" hanya menghabiskan sekitar 20 menit untuk itu. Cerita Penciptaan Tidak diberi peringkat. Waktu tayang: 1 jam 45 menit. Tersedia untuk ditonton di AMC+, dan untuk disewa atau dibeli di Amazon, Google Play, dan platform streaming lainnya serta operator TV berbayar..

Seorang Pianis Menelusuri Sejarah Harlemnya, dan Scott Joplin's

Tidak lama sebelum kematiannya pada tahun 1917, Scott Joplin meramalkan bahwa ia akan menjadi bagian dari kanon musik Amerika. Seorang rekan kemudian mengingatnya dengan mengatakan, "Ketika saya mati 25 tahun, orang-orang akan mulai mengenali saya." Produksi penuh "Treemonisha" - salah satu opera pertama oleh komposer kulit hitam Amerika - telah terbukti sulit dipahami selama dekade terakhirnya, ketika dia tinggal di New York. Reputasi yang dia alami, sebagai raja ragtime, berakar pada karya piano sebelumnya yang ditulis di Missouri, seperti "Maple Leaf Rag" dan "The Entertainer." Bahkan sekarang, ada banyak Joplin yang berbeda. Soundtrack untuk "The Sting," film 1973 yang menampilkan Paul Newman dan Robert Redford, menggunakan lagu-lagu Joplin untuk membangkitkan Americana yang santai namun berani. Sebaliknya, ketika komposer-pemain kontemporer seperti Henry Threadgill dan Anthony Braxton menafsirkan Joplin, penafsiran mereka yang mengambil kebebasan dimaksudkan untuk menempatkannya dalam dialog dengan gelombang eksperimen avant-garde berikutnya. Sementara "Treemonisha" telah direkam beberapa kali, dalam orkestrasi yang dapat mengakomodasi gedung opera besar atau teater intim, itu jauh dari pokok repertoar.Image The Harlem brownstone yang merupakan alamat tempat tinggal terakhir Joplin sebelum kematiannya pada tahun 1917. Kredit... Donavon Smallwood untuk The New York Times Jadi, meskipun Joplin sudah mapan, apresiasi publik atas pencapaiannya tetap kabur, tidak stabil. Pada perjalanan musim dingin baru-baru ini melalui Harlem, pianis Lara Downes mengatakan bahwa itulah yang mengilhami album terbarunya, “Reflections: Scott Joplin Reconsidered.” Satu tujuan, katanya, adalah untuk "mengumpulkan potret yang agak komprehensif dari musisi ini yang sangat sulit untuk dijabarkan." Ini adalah kutipan yang diedit dari percakapan. Joplin terkenal telah memainkan piano untuk pertunjukan, dengan penyanyi, "Treemonisha" di Harlem's Lincoln Theatre - situs Gereja Metropolitan AME saat ini. Album Anda dibuka dengan aransemen Anda sendiri dari pendahuluan Babak III, dan diakhiri dengan sekilas nomor terakhir, “A Real Slow Drag.” Mengapa membingkai album dengan cara ini? “Treemonisha” penuh dengan banyak hal! Ini adalah akhir hidupnya, pada dasarnya, setelah itu dilakukan. Itu adalah akhir yang menyedihkan dari visi dan ambisi yang luar biasa ini. Tapi itu juga merupakan awal dari hidupnya, karena di situlah benih ditanam. Terutama cuplikan pendahuluan kecil itu. Cara duduk di piano — ini benar-benar abad ke-19. Hanya sesekali ada petunjuk bahwa hal lain sedang terjadi. Saya ingin itu menjadi titik awal. Saya tidak pernah bisa mendengar suara compang-camping tanpa benih musik di dalamnya. Saya pikir itu mudah untuk diabaikan. Tetapi begitu Anda memiliki musik itu di telinga Anda, Anda tidak dapat mendengarkan sisanya tanpa menyadarinya. Berbicara tentang karya-karya awal Joplin, lagu “A Picture of Her Face” menjadi sorotan di album ini. Ini telah direkam sebagai piano solo sebelumnya, tetapi Anda telah membuat rekaman perdana versi lengkapnya, dengan vokal. Bagaimana Anda bisa memilih bariton Will Liverman? Saya pikir ini adalah ketika dia masih di "Fire Shut Up in My Bones" di Met, musim gugur yang lalu. Kami mengirim SMS tentang sesuatu yang lain, dan saya berkata, "Saya akan pergi ke studio untuk merekam beberapa Joplin." Dia berkata, "Saya suka Joplin." Dengan cara apa pun kami menemukan kencan. REFLEKSI: Scott Joplin Dipertimbangkan Kembali oleh Lara DownesDalam aransemen oleh Jeremy Siskind ini, Liverman memiliki nada tinggi yang terbuka di sini, dan ruang untuk slide blues di sana. Itu tidak semua dalam skor pertama yang Anda temukan online, benar? Ya. Ada pertanyaan, Apa yang Anda lakukan? Seseorang seperti Will, yang memiliki pijakan dan perasaan yang sama dalam lagu seni, opera, R&B, karya-karyanya sendiri — dan memiliki lensa yang sangat luas tentang semua hal itu seharusnya — saya hanya ingin dia memprosesnya melalui blender itu. Saya tidak bermaksud sesuatu yang lucu, seperti, "Temukan kembali ini untuk saat ini, buat menjadi modern." Tidak. Hanya: “Lihatlah sekarang.” Gereja Metropolitan AME terletak di lokasi Teater Lincoln, tempat Joplin terkenal pernah memainkan piano untuk pertunjukan operanya “Treemonisha.” Kredit... Donavon Smallwood untuk The New York Times Mengingat minat Anda pada Joplin yang kurang terkenal, mengapa merekam beberapa hit besar? Pada satu titik, saya bertanya-tanya apakah hal yang paling subversif yang harus dilakukan adalah tidak merekam “The Entertainer”! Bahan itu tidak pernah pudar dari pandangan — seperti beberapa landmark Harlem, seperti Apollo, bertahan, sedangkan Teater Lincoln tidak. Mungkin menciptakan aransemen mandolin-dan-piano yang menawan dan memukau dari "The Entertainer" dengan Joe Brent membuatnya mustahil untuk diabaikan. REFLEKSI: Scott Joplin Dipertimbangkan Kembali oleh Lara DownesSaya menatap sampul depan lembaran musik: "Didedikasikan untuk James Brown dan Klub Mandolinnya." Dan pembukaan itu, seluruh struktur, hanya meminta untuk dipecah menjadi bola tenis dua batang. Itu sangat menyenangkan untuk disatukan. Kami baru saja melewati alamat tempat ayahmu tinggal di 127th Street — serta Gereja Episkopal St. Philip, di tikungan, yang merupakan gereja ayahmu. Anda menyebutkan bahwa kematiannya karena kanker, saat Anda masih muda, telah memengaruhi upaya Anda untuk merekam musik oleh komposer Black di label Anda Rising Sun. Bagaimana? Karena saya tahu betul bagaimana sejarah bisa hilang. Karena sejarah ayahku hilang.

Baca Juga:

• Mesin Pengupas Batok Kelapa
• Mesin Spinner
• Mesin Pengaduk Model Tabung

Saya memiliki koleksi foto yang sangat menyedihkan ini; Saya memiliki alamat di 127. Dan saya memiliki gereja itu. Fakta bahwa ibuku memiliki beberapa catatan dengan alamat itu; fakta bahwa seseorang menemukan makalah [komposer] Florence Price — semuanya sangat lemah. Ketika saya bekerja dengan musik Joplin, atau dengan semua komposer lain ini — yang sejarahnya hilang karena kertas-kertas dibuang, atau tidak ada kerabat yang tahu ada sesuatu yang layak dipertahankan — itu sangat pribadi.Image Beberapa landmark Harlem , seperti Teater Apollo, bertahan, sedangkan Teater Lincoln tidak. Kredit... Donavon Smallwood untuk The New York Times Di seluruh album baru, Anda membiarkan melodi bernafas dengan cara yang tidak kami dengar dalam pertunjukan Joplin yang disinkronkan secara mekanis. Apakah ini korektif — cara untuk memberi Joplin sesuatu yang tidak bisa dia terima di masanya? Secara khusus, konser resital dari seorang pianis klasik, titik. Dunia tempat dia mengirim musik cukup ditentukan. Apa yang dia tahu di awal adalah bahwa dia tidak bisa menjadi saya. Dia tidak bisa menjadi pianis klasik kulit hitam. Selesai. Jadi dia mulai berinovasi; dia mencari nafkah. Dia hanya di jalan. Musik apa yang akan dia mainkan? Ini waktunya. Tapi kemudian dia membuatnya lebih baik. Dia menjadikannya yang terbaik. Dia menjadi rajanya! Dan sementara dia menjadi rajanya, dia selalu merencanakan seluruh opera ini. Saya kira jawaban atas pertanyaan Anda tentang album ini adalah, ya, itu memberinya kebebasan. Ini memberinya akses ke seseorang yang datang dengan perspektif ini: “Apa pun yang Anda miliki, saya akan mengambilnya. Saya akan menyaringnya melalui apa yang saya ketahui sekarang.” Apa yang saya tahu sekarang datang setelah dia. Dia tidak mendengar apa yang akan dilakukan William Grant Still, apa yang akan dilakukan Ellington. Dia tidak mendengarnya. Tapi saya punya. Gambar Gereja Episkopal St. Philip adalah gereja ayah Downes. Kredit... Donavon Smallwood untuk The New York Times Sekarang setelah kita melewati alamat terakhir Joplin di New York, ini saat yang tepat untuk menyebutkan bahwa aransemen Stephen Buck tentang "Magnetic Rag," yang diterbitkan sendiri oleh Joplin pada tahun 1914, menjadi hits tempat manis yang bagus. Penampilan Anda dengan band memiliki nuansa spontan — terutama di senar — tetapi semuanya sangat terkait erat dengan materi aslinya. Memainkan ragtime di piano itu sulit. Jadi ini juga merupakan kesempatan untuk menarik semua hal yang merupakan tantangan pianistik ke dalam gambaran yang lebih besar. Bukankah Joplin akan menyukai ide itu? “Saya tidak harus memasukkan semuanya ke dalam piano, hanya karena saya ingin menjual lembaran musiknya.” Saya akan membawa beberapa pengaturan ini ke orkestra. Saya melakukan beberapa dengan Detroit dalam beberapa minggu. Dan kemudian dengan Boston Pops dan Philadelphia Orchestra, di ujung jalan. Saya tidak ingin mengabaikan permainan solo Anda! Saya telah menikmati pendapat Anda tentang "The Chrysanthemum," khususnya. Semburan kecil chromaticism kadang-kadang terdengar lucu. Anda telah menyatukan keanehan dan kelembutannya. Terima kasih. Saya benar-benar ingin membebaskannya dari dua kategori di mana orang-orang mencoba menyesuaikannya dengannya: “raja zaman dahulu” atau “komposer klasik terhebat yang belum pernah Anda dengar.” Saya ingin menjadi sangat jelas bahwa saya melihatnya sebagai inovator Amerika dan penyerbuk silang, dan bahwa kebenaran utama dalam musiknya adalah bahwa segala sesuatu ada bersama-sama dan ada untuk menemukan..